Monique van Berkel

Monique van Berkel peint des portraits sans savoir à l’avance qui ou quoi apparaîtra sur la toile. À partir d’aplats de couleur, de lignes et de hasards émergent progressivement des visages qui oscillent entre figuration et abstraction. Dans cet entretien, elle évoque sa méthode de travail intuitive, les « cadeaux » qui surgissent au cours du processus de création et la liberté qu’elle souhaite offrir au spectateur comme à elle-même.

Pourquoi participez-vous à Dans les Collines II?
Mon parcours de peintre a commencé aux Pays-Bas auprès de Debbie Nijland.
C’est elle qui, en tant que professeure, m’a guidée dans mes premiers pas et m’a donné confiance dans mon processus créatif. Aujourd’hui, je viens à Dans les collines avec plusieurs peintures qui faisaient partie du projet avec lequel j’ai récemment obtenu mon diplôme à l’école d’art. Tout cela crée pour moi un lien particulier avec cette exposition.

Que pourront découvrir les visiteurs pendant l’exposition ?
Je présente une série de portraits que j’ai réalisés ces dernières années à l’école d’art. Certains faisaient partie de mon projet de fin d’études. Ces peintures montrent où j’en suis aujourd’hui dans mon évolution en tant que peintre. Dans mon travail, figuration et abstraction se mêlent. Je recherche un équilibre entre reconnaissance et étrangeté.

Vous peignez des portraits, mais vous dites ne pas penser à une personne précise avant de commencer. À quel moment un visage devient-il pour vous un portrait ?
Un œil, un nez ou une bouche ne doivent pas nécessairement se trouver à l’endroit qu’ils occupent dans la réalité. Parfois, leur simple suggestion suffit à faire de l’œuvre un portrait. Pour moi, un visage devient un portrait dès lors qu’il acquiert une identité et une âme propres. Mais on peut aussi inverser la question : quand un portrait devient-il un visage ?

Vous commencez sans image prédéfinie. Comment une peinture se développe-t-elle progressivement ?
L’aventure commence par la mise en place de larges aplats de couleur, de lignes et de taches. Avec de la peinture acrylique, je remplis la toile sans objectif précis. C’est à ce stade que la texture apparaît et que j’explore différentes directions. Après cette première action spontanée, je commence à structurer l’image, par exemple en recherchant des contrastes entre la lumière et l’obscurité.
C’est souvent à ce moment qu’apparaît ce que j’appelle la phase « laide » : l’image semble désordonnée et la direction reste incertaine.

C’est la phase où je dois faire des choix. J’efface certains éléments en les recouvrant de peinture. Avec différents matériaux, je construis les couleurs et alterne les tons chauds et froids afin de créer de la profondeur et une atmosphère.

Dans la dernière phase, j’ajoute des accents. Ils me permettent de relier entre eux des éléments isolés et la peinture devient progressivement un ensemble cohérent. Elle prend forme, pour ainsi dire, sous mes mains.

C’est à ce moment-là que la réflexion intervient davantage. La composition fonctionne-t-elle ? Les couleurs et les différentes couches sont-elles justes ? Puis vient le moment où je dois décider si l’œuvre est terminée.

Vous qualifiez les hasards qui apparaissent dans vos peintures de « cadeaux ». Quel rôle le hasard joue-t-il dans votre travail ?
Les hasards sont importants et toujours présents dans mes peintures. Ils rompent avec les schémas de pensée établis et me conduisent vers des idées que je n’aurais jamais pu concevoir en suivant un plan strict. Ils s’écartent parfois de ce que j’avais initialement envisagé, mais apportent de manière inattendue davantage de tension, de dynamisme ou de sens. Ils rendent le travail moins prévisible et m’obligent à sortir de ma zone de confort.

En laissant consciemment une place au hasard et en renonçant au contrôle, des possibilités que je n’aurais jamais pu imaginer à l’avance apparaissent. Cela a beaucoup à voir avec l’intuition. Parfois, je prends du recul et regarde longuement une peinture en silence, jusqu’à ce que surgisse l’impulsion de recommencer à peindre.

J’ai appris à faire confiance à ce processus.

Vous choisissez délibérément de ne pas donner de titre à vos peintures. Pourquoi est-ce important pour vous ?
En ne donnant pas de titre à mon travail, j’espère laisser au spectateur l’espace nécessaire pour former sa propre interprétation. Sans mots pour orienter le regard, il peut observer uniquement à travers ses sensations et son imagination. Un dialogue personnel se crée ainsi entre son propre univers et la peinture.

Vous avez récemment obtenu votre diplôme à l’école d’art IKO de Hoogstraten, en Belgique. Qu’est-ce que cette formation a apporté au développement de votre propre langage visuel ?
La plus grande leçon que j’ai apprise ces dernières années est que j’ai le droit d’être la peintre que je suis. Grâce aux retours constants de mes professeurs et des autres étudiants, j’ai appris à faire confiance à ma propre intuition et à me libérer de ce qui est considéré comme beau ou conventionnel.

J’ai ainsi progressivement développé mon propre langage visuel. Les lignes et les structures sont devenues plus importantes que le sujet lui-même. Observer et discuter le travail des maîtres anciens et des artistes contemporains m’a également beaucoup inspirée. Pour moi, peindre consiste à éprouver un sentiment de liberté pendant le processus et à transmettre le plaisir que j’y trouve.
Le spectateur est ensuite libre d’interpréter et de découvrir par lui-même ce qu’il voit.

Monique van Berkel paints portraits without knowing in advance who or what will appear on the canvas. From areas of colour, lines and chance occurrences, faces gradually emerge that move between figuration and abstraction. In this interview, she talks about her intuitive way of working, the ‘gifts’ that arise during the painting process and the freedom she wants to give both the viewer and herself.

Why are you taking part in Dans les collines 2?
My development as a painter began with Debbie Nijland in the Netherlands. As my teacher, she was the person who set me on my path and gave me confidence in my creative process. Now I am coming to Dans les collines with several paintings that were part of the project with which I recently graduated from art school. All of this gives me a special connection to this exhibition.

What can visitors expect to see during the exhibition?
I will be showing a series of portraits that I made at art school over the past few years. Some of them were part of my graduation project. These paintings show where I am now in my development as a painter. In my work, figuration and abstraction merge into one another. I look for a balance between recognition and estrangement.

You paint portraits, but you say that you don’t have a particular person in mind beforehand. When does a face become a portrait for you?
An eye, nose or mouth does not necessarily have to be in the place where it would be in reality. Sometimes the mere suggestion of one is enough to make the work a portrait. For me, a face becomes a portrait as soon as it acquires an identity and soul of its own. But you can also turn the question around: when does a portrait become a face?

You begin without a predetermined image. How does a painting develop as you work?The adventure begins by laying down broad areas of colour, lines and marks. I fill the canvas with acrylic paint without a specific goal. At this stage, texture emerges and I explore different directions.

After this initial spontaneous action, I begin to introduce structure, for example by looking for contrasts between light and dark. This is often when the so-called ‘ugly’ phase begins: the image looks chaotic and the direction is unclear.

This is the stage when I have to make choices. I paint things out. Using different materials, I build up colours and alternate between warm and cool tones to create depth and atmosphere. In the final stage, I add accents. These connect separate elements and the painting gradually grows into a whole. It takes shape, as it were, beneath my hands.

At that point, thinking begins to play a greater role. Does the composition work? Are the colours and layers right? And then comes the moment when I have to decide whether a work is finished.

You call the chance occurrences in your paintings ‘gifts’. What role does chance play in your work?
Chance occurrences are important and always present in my paintings. They disrupt established patterns of thought and lead me to ideas that I could never have conceived with a strict plan. They may differ from what I originally intended, but unexpectedly add greater tension, dynamism or meaning. They make the work less predictable and force me to step outside my comfort zone.

By consciously allowing chance into the process and letting go of control, possibilities emerge that I could never have imagined beforehand. This has a great deal to do with intuition. Sometimes I step back and quietly look at a painting for a long time, until I feel an impulse to start painting again.

I have learned to trust that process.

You deliberately leave your paintings untitled. Why is that important to you?
By leaving my work untitled, I hope that viewers feel free to form their own interpretations. Without words directing them, they can look purely through feeling and imagination. In this way, a personal dialogue emerges between the viewer’s own world of experience and the painting.

You recently graduated from the IKO art academy in Hoogstraten, Belgium. What has your education there meant for the development of your own visual language?
The greatest lesson I have learned over the past few years is that I am allowed to be the painter I am. Through the continuous feedback of my teachers and fellow students, I have learned to trust my own intuition and let go of ideas about what is ‘beautiful’ or conventional. As a result, I have increasingly developed a visual language of my own. Lines and structures have become more important than the subject itself.

Looking at and discussing the work of old masters and contemporary artists has also inspired me. For me, painting is about experiencing freedom during the process and conveying the pleasure I find in it. The viewer is then free to interpret and discover for themselves what there is to see.

Monique van Berkel schildert portretten zonder vooraf te weten wie of wat er op het doek zal verschijnen. Vanuit kleurvlakken, lijnen en toevalligheden ontstaan geleidelijk gezichten die zich bewegen tussen figuratie en abstractie. In dit interview vertelt ze over haar intuïtieve werkwijze, de ‘cadeautjes’ die tijdens het schilderen ontstaan en de vrijheid die ze de kijker én zichzelf wil geven.

Waarom doe je mee aan Dans les collines 2?
Mijn ontwikkeling als schilder is begonnen bij Debbie Nijland in Nederland. Zij was degene die mij als docente op weg heeft geholpen en vertrouwen heeft gegeven in mijn creatieve proces. Nu kom ik naar Dans les collines met enkele schilderijen waarmee ik onlangs ben afgestudeerd aan de kunstacademie. Dat alles maakt dat er voor mij een bijzondere verbinding is met deze tentoonstelling.

Wat kunnen bezoekers tijdens de tentoonstelling van je verwachten?
Ik laat een serie portretten zien die ik de afgelopen jaren op de kunstacademie heb gemaakt. Een aantal daarvan maakte deel uit van mijn afstudeerproject. Deze schilderijen laten zien waar ik nu sta in mijn ontwikkeling als schilder. In mijn werk lopen het figuratieve en de abstractie in elkaar over. Ik zoek naar een balans tussen herkenning en vervreemding.

Je schildert portretten, maar zegt dat je vooraf niet aan een bepaalde persoon denkt. Wanneer wordt een gezicht voor jou een portret?
Een oog, neus of mond hoeft voor mij niet per se op de plaats te zitten waar die zich in werkelijkheid bevindt. Soms is het alleen de suggestie ervan die het werk tot een portret maakt. Voor mij wordt een gezicht een portret zodra het een eigen identiteit en ziel krijgt. Maar je kunt de vraag ook omdraaien: wanneer wordt een portret een gezicht?

Je begint zonder vooraf vaststaand beeld. Hoe ontwikkelt zo’n schilderij zich gaandeweg?Het avontuur begint met het opzetten van grove kleurvlakken, lijnen en vlekken. Met acrylverf vul ik het doek zonder een exact doel. In deze fase ontstaat textuur en verken ik verschillende richtingen.

Na die eerste spontane actie begin ik structuur aan te brengen, bijvoorbeeld door te zoeken naar contrasten tussen licht en donker. Vaak ontstaat dan de zogenaamde ‘lelijke’ fase: het beeld oogt rommelig en de richting is onduidelijk.

Dit is de fase waarin ik keuzes moet maken. Ik schilder dingen weg. Met verschillende materialen bouw ik kleuren op en wissel ik warme en koude tonen af om diepte en sfeer te creëren.

In de laatste fase breng ik accenten aan. Daarmee verbind ik losse elementen met elkaar en groeit het schilderij langzaam naar een geheel. Het ontstaat als het ware onder mijn handen.

Op dat moment komt het denken meer om de hoek kijken. Klopt de compositie? Kloppen de kleuren en de gelaagdheid? En dan komt het moment waarop ik moet beslissen of een werk af is.

Je noemt toevalligheden in je schilderijen ‘cadeautjes’. Welke rol speelt toeval in je werk?Toevalligheden zijn belangrijk en altijd aanwezig in mijn schilderijen. Ze doorbreken vaste denkpatronen en brengen me op ideeën die ik met een strikt plan nooit had kunnen bedenken. Ze wijken misschien af van wat ik oorspronkelijk van plan was, maar voegen onverwacht meer spanning, dynamiek of betekenis toe. Ze halen de voorspelbaarheid uit het werk en dwingen me om buiten mijn comfortzone te treden.

Door toeval bewust toe te laten en de controle los te laten, ontstaan mogelijkheden die ik vooraf niet had kunnen bedenken. Dat heeft veel met intuïtie te maken. Soms neem ik afstand en kijk ik lange tijd rustig naar een schilderij, totdat er een impuls ontstaat om weer verder te schilderen. Ik heb geleerd om op dat proces te vertrouwen.

Je geeft je schilderijen bewust geen titel. Waarom is dat belangrijk voor je?
Door mijn werk geen titel te geven, hoop ik dat je als kijker de ruimte voelt om een eigen interpretatie te vormen. Zonder sturende woorden kun je puur op gevoel en verbeelding kijken. Zo ontstaat er een persoonlijke dialoog tussen jouw belevingswereld en het schilderij.

Je bent onlangs afgestudeerd aan de kunstacademie IKO in het Belgische Hoogstraten. Wat heeft die opleiding betekend voor de ontwikkeling van je eigen beeldtaal?
De grootste les die ik de afgelopen jaren heb geleerd, is dat ik de schilder mag zijn die ik ben. Door de voortdurende feedback van mijn docenten en medestudenten heb ik geleerd om op mijn eigen intuïtie te vertrouwen en los te laten wat ‘mooi’ of conventioneel is. Daardoor heb ik steeds meer een eigen vormtaal ontwikkeld. Lijnen en structuren werden belangrijker dan het onderwerp zelf.

Ook het kijken naar en bespreken van oude meesters en hedendaagse kunstenaars heeft me geïnspireerd. Voor mij gaat schilderen over vrijheid ervaren tijdens het proces en het plezier dat ik daarin vind overbrengen. De kijker mag vervolgens zelf invullen en ontdekken wat er te zien is.