Parutions

... Une sélection de parutions internationales récentes depuis 2023 (par forcément sur le XVII^e siècle !) susceptibles d’enrichir nos façons de lire et faire de l’histoire de l’art, d’apprécier et comprendre les images …

 

 

Koenraad Jonckheere, Rubens’s questions religion, paragone, and the ontology of painting, Harvey Miller, Londres-Turnout, 2026, 320 p.

ARGUMENT : Rubens’ Questions: Religion, Paragone, and the Ontology of Painting explores the pivotal role of doubt in understanding the work of Peter Paul Rubens. Focusing on his easel paintings from the 1610s, this book argues that Rubens engaged with the era’s most pressing intellectual debates without resorting to overt dogma. His works served as open-ended invitations, encouraging viewers to grapple with complex issues of religion, art, and philosophy, offering no definitive answers but instead providing space for personal reflection and recalibration. In contrast to the more direct, polemical writings of his contemporaries, Rubens subtly used his compositional mastery to question the very nature of art—its visual and tactile properties—while navigating the tensions between idolatry and iconoclasm. Rather than aligning with one side of these heated debates, Rubens’ paintings proposed a nuanced middle ground, engaging with the ontological questions of his day and affirming the enduring value of painting itself. Additionally, this book addresses a significant gap in Rubens scholarship: the almost total absence of Dutch-language sources in the existing literature. By examining these overlooked materials, it reveals a paradigmatic shift in Rubens’ artistic approach, one that was deeply informed by the intellectual climate of the Netherlands.

 

Matthijs Jonker, Katherine Reinhart (éd), The Visual Culture of Scientific Societies in the Age of Baroque, Harvey Miller, Londres-Turnout, 2026, 386 p.

ARGUMENT : One of the most important developments in the history of science from the late 15th until the late 18th century was the foundation of institutions for collaborative research and the publication of knowledge, such as the Accademia dei Lincei in Rome (1603), the Academia Naturae Curiosorum (Leopoldina) in Schweinfurt (1652), the Accademia del Cimento in Florence (1657), the Royal Society in London (1660), the Académie Royale des Sciences in Paris (1666), and the Scientific Academy of St Petersburg (1725). Within these institutions, knowledge was not only acquired and disseminated orally and textually, but also visually. From drawings, which circulated in society meetings to the printed plates in their published books, images across all media were vital to the developing practices of early modern science. This volume provides the first comprehensive and comparative understanding of the function of images and visual strategies within these burgeoning institutions. The contributions deal with the visualization a manifold of early modern scientific disciplines (from natural history to medicine, from mathematics to acoustics, and from ethnography to geology and geometry) in institutions in Italy, France, Germany, Great Britain, Portugal, Russia, and the Netherlands, from the late 15th until the late 18th century. By combining a multidisciplinary perspective with a wide geographical point of view and a long temporal framework, the volume provides new insight into the critical role of visual practices within pre-modern scientific societies.

 

Bartolomé Yun-Castilla, Spanish Globalization through Murillo’s Eyes. Reflections from Seventeenth-century Seville, Londres, Bloomsbury, 2026, 312 p.

ARGUMENT : This open access book examines the work of the 17th-century Baroque painter, Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) – a figure who barely left the city of Seville – as a way of understanding globalization, its consequences, and its limits. Full of saints, friars, virgins, and Christs, or poor people and cheerful pícaros oblivious to social injustice, Murillo’s painting has been considered representative of the Counter-Reformation and the exponent of an immobile, even introverted, society that regressed with the ‘crisis of the 17th century’. Spanish Globalization through Murillo’s Eyes introduces a global perspective by considering the Atlantic art market and developing comparisons with Protestant paintings and an analysis of Murillo’s iconography alongside the social and political theory of his time. Such comparisons and analyses illuminate a different image, emphasizing the idea of a common European path towards modernity, individualism, emotional self-control and social change. The book also examines how Murillo’s contemporaries interpreted his iconography. The result is a new and sharper understanding of the tensions created by globalization in the field of art, in the construction of imagined communities, and in social relations in the early modern era.

 

Cecilia Paolini, Il Giardino delle Idee. I Cesi, Rubens e l’Antico a Roma, Rome, Viella, 2026, 210p.

ARGUMENT : Il Giardino delle Idee ricostruisce la presenza romana di Peter Paul Rubens attraverso il rapporto con il cardinale Bartolomeo Cesi, inserendolo nel più ampio contesto culturale della Roma tra Cinque e Seicento. Basato su un’accurata indagine archivistica, il volume analizza il sistema intellettuale dei Cesi, fondato sull’intreccio fra collezionismo, geenealogia e riflessione filosofica, e ne mette in luce il ruolo nella costruzione simbolica del potere aristocratico. Particolare attenzione è riservata agli ambienti culturali legati alla famiglia: il neo-stoicismo di Giusto Lipsio, l’erudizione dei fratelli Persio e l’esperienza dell’Oratorio della Vallicella. In questo quadro, il giardino dei Cesi si distingue come uno spazio di conoscenza, dove arte, natura e filosofia convergono, sullo sfondo della nascita dell’Accademia dei Lincei e della scienza moderna.

 

E. Corswarem, A. Roma (dir.), I cardinali protettori delle corone e le arti in età moderna, Rome, Viella, 2026, 308 p.

ARGUMENT : Questo volume indaga le pratiche mecenatistiche dei cardinali protettori delle corone in età moderna per esplorare come committenza, protezione e clientelismo interagissero con le specificità del loro status e delle loro funzioni, operando all’intersezione tra corte pontificia e monarchie nazionali. Attraverso casi di studio esemplari e un approccio interdisciplinare che combina storia sociale e culturale, storia dell’arte e dello spettacolo, i contributi offrono una prospettiva inedita sul mecenatismo dei cardinali protettori delle corone in relazione alla complessa stratificazione identitaria che li definiva, con le loro dignità cardinalizie e nobiliari e il loro ruolo nelle reti politiche, culturali e sociali romane ed europee. Superando la categoria storiografica del “cardinale amante dell’arte”, emerge una lettura del mecenatismo come arte della mediazione tra diverse fedeltà e strumento di costruzione del potere, capace di agire su spazi urbani, istituzioni, pratiche rituali e reti di relazioni.

 

Martina Leone, Francesco Ruschi e l’abundantia barocca Pittura e collezionismo tra Roma e la Serenissima, Rome, Campisano, 2026, 384 p.

ARGUMENT : Il Seicento è per la Serenissima una stagione ingiustamente sottovalutata da tanta parte della critica, compressa tra gli sfarzi del secolo precedente e le glorie del successivo, benché grazie alla forza di uno Stato attrattivo, gli artisti fossero giunti in gran numero in laguna a rinnovare la pittura. Francesco Ruschi e l’abundantia barocca: pittura e collezionismo tra Roma e la Serenissima restituisce per la prima volta la fisionomia di un protagonista dimenticato del Seicento italiano, crocevia tra cultura romana e identità veneziana. Veneziano dalla pittura ‘foresta’, Ruschi emerge come interprete originale di una stagione segnata da vivace mobilità artistica, tensioni religiose e nuove dinamiche collezionistiche. Attraverso documenti inediti, cantieri ricostruiti, connoisseurship e un catalogo ragionato, il volume illumina una rete complessa di rapporti tra artisti, mercanti, istituzioni religiose e accademie, restituendo il ruolo di Venezia come laboratorio di sperimentazione nel cuore del Barocco europeo. In questo contesto, la pittura di Ruschi – sontuosa, colta, romana, attraversata da una sensualità “abundans” – si pone come cerniera tra tradizione barocca e istanze tenebriste, dando forma a un linguaggio capace di riflettere le ambizioni, le inquietudini e le strategie di autorappresentazione della società secentesca della Serenissima, con un occhio sempre verso la città dei papi. Tra spazi del sacro, mercato e cultura letteraria, la sua vicenda diventa così osservatorio privilegiato per rileggere il Seicento veneziano non come stagione marginale, ma come momento cruciale di rinnovamento artistico e identitario “esito di più maniere”.

 

 

Giuliano Colicino, Lorenzo Lorizzo, Napoli sotto torchio. Incisori e mercato di stampe in età moderna, Rome, De Luca, 2026, 240 p.

ARGUMENT : Nel corso dei secoli XVI e XVII, Napoli si configura come un contesto straordinariamente fertile per lo sviluppo e la diffusione dell’incisione. Dall’ideazione del soggetto alla realizzazione della matrice, fino all’inchiostrazione e alla stampa, il processo calcografico coinvolge una pluralità di figure, protagoniste di una produzione ampia e articolata che oggi emergono attraverso profili biografici, ruoli e relazioni. Accanto alla presenza di botteghe stabili si distinguono numerosi incisori di passaggio, attivi in città per periodi limitati ma capaci di introdurre aggiornamenti linguistici e nuove tendenze figurative. All’ombra del Vesuvio, l’interesse per il medium calcografico coinvolge anche artisti operanti in altri ambiti: Jusepe de Ribera si cimenta direttamente nella pratica incisoria, mentre Francesco Solimena e Paolo de Matteis affidano la traduzione delle proprie invenzioni a incisori specializzati, contribuendo così alla circolazione e alla codificazione delle loro immagini. Una volta impresse, le stampe conoscono un’ampia diffusione, trovando particolare fortuna nel mercato librario. In questo ambito emergono figure di editori-imprenditori, come Antonio Bulifon, capaci di instaurare con gli incisori relazioni non solo professionali ma anche personali, dando vita a una rete dinamica di collaborazioni artistiche ed economiche. In questo intreccio di maestranze, committenze e strategie editoriali si delinea un capitolo ancora poco esplorato della storia dell’incisione a Napoli. Ripercorrerne le vicende significa restituire voce a una trama fitta di protagonisti che contribuirono alla definizione di un linguaggio figurativo di straordinaria vitalità, specchio dei fermenti artistici e culturali del contesto partenopeo in età moderna.

 

Luca Calenne, Pittori del Lazio meridionale nel Seicento. Orazio Zecca e gli altri, Rome, De Luca, 2026, 360 p.

ARGUMENT : Questo volume ha l’ambizione di colmare un vuoto, ossia di offrire un panorama ampio e dettagliato della pittura del Seicento del Lazio meridionale, su cui mancava uno studio complessivo. Si tratta infatti del primo repertorio dei pittori autoctoni di quel territorio, che comprende le schede di 110 pittori, per la massima parte totalmente inediti, distribuiti nelle odierne province di Roma, Frosinone e Latina. Da questa vasta indagine – avviata dalla riscoperta del pittore Orazio Zecca – è scaturita un’immagine assai diversa della zona in esame, e per molti versi insospettabile: non più periferia depressa e terra di conquista degli artisti dell’Urbe, bensì luogo di frontiera caratterizzato da un mercato artistico ricco e vivace, in mano soprattutto ai pittori locali, tra i quali non mancarono grandi personalità come il Cavalier d’Arpino e Sebastiano Conca, con i loro numerosi seguaci.

 

Patrizia Tosini, Chiara Violin (dir.), Palazzo Ruggieri. Una residenza all’ombra del Campidoglio, Rome, De Luca, 2026, 192 p.

ARGUMENT : Questo volume illustra per la prima volta la storia urbanistica, architettonica e decorativa del palazzo Ruggieri, uno degli esempi più eleganti e meglio conservati tra gli edifici tardorinascimentali di Roma. Situata nel rione Pigna, nel cuore del Campo Marzio, a pochi passi dal Pantheon e dal Campidoglio, la dimora nobiliare fu costruita nel nono decennio del Cinquecento da Pompeo Ruggieri – facoltoso esponente di un’antica famiglia di Sutri trasferitasi nell’Urbe all’inizio del XVI secolo – per affermare il prestigio della sua casata e consolidare il suo status di membro dell’oligarchia capitolina. Nella prima metà del XVII secolo il palazzo divenne la residenza del cardinale Luigi Omodei, che vi ospitò la sua ricca quadreria. Con l’estinzione dei Ruggieri, nel 1657, l’edificio passò più volte di proprietà, rimanendo però, attraverso i secoli, un’unica unità immobiliare, circostanza che ha permesso di conservarne una sostanziale integrità sino ad oggi. La notevolissima decorazione ad affresco, disposta a ornamento dei diversi ambienti del primo e secondo piano nobile, fu realizzata per volontà di Pompeo Ruggieri, tra 1589 e 1592, dalla bottega dei fratelli Giovanni e Cherubino Alberti pittori di Borgo Sansepolcro, affiancati dal giovane Cristoforo Roncalli. I dipinti del cuore del palazzo, nel salone principale e nella loggia di ingresso al primo piano, celebrano le storie di Pompeo Magno, condottiero il cui nome richiama il committente, ricollegandone l’ascendenza famigliare alle più antiche gentes romane. I saggi degli autori affrontano i diversi aspetti della residenza sulla base di nuovi documenti e testimonianze grafiche, nonché, grazie a una capillare campagna fotografica realizzata ad hoc, restituiscono finalmente all’edificio una più nitida lettura delle sue vicende storiche e della sua preziosa decorazione pittorica.

 

Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, Omaggio a Carlo Maratti, Rome, Gangemi, 2026,120 p.

ARGUMENT : Carlo Maratti (1625-1713), di cui nel 2025 ricorre il quarto centenario della nascita, fu pittore di grande fama ai suoi tempi, attivo a Roma dove, dopo la scomparsa di Pietro da Cortona nel 1669 e di Gian Lorenzo Bernini nel 1680, divenne protagonista indiscusso del panorama artistico. Allievo del pittore classicista Andrea Sacchi, Maratti si segnalò nel saper dipingere scene sacre e nel rendere con grande eleganza soggetti mitologici. Il suo modello costante fu Raffaello, da cui riprese stile e capacità autopromozionale; trasse ispirazione anche dai pittori classicisti Annibale Carracci e Guido Reni; guardò Barocci e Pietro da Cortona, riuscendo a coniugare classicismo e barocco in un modo nuovo ed originale. I più celebri committenti del suo tempo richiesero sue opere: per Luigi XIV re di Francia dipinse Apollo e Dafne, per Eleonora d’Asburgo il Transito di San Giuseppe, e molti quadri per i banchieri Francesco Montioni e Niccolò Maria Pallavicini, i più raffinati collezionisti a Roma alla fine del secolo XVII. Il suo stile ebbe molto successo e fu seguito nel Settecento da vari artisti, aprendo la strada al gusto rococò in pittura.

 

Sabine Du Crest, Espaces Frontière des intérieurs européens aux XVIIe et XVIIIe Siècles. Spectacles du monde, Rome, Gangemi, 2026, 304 p.

ARGUMENT : Laque, porcelaine, papier peint, soierie, ces artéfacts extraeuropéens peuvent être considérés comme les arguments majeurs de la rhétorique matérielle d’un intérieur dans l’Europe des XVIIe et XVIIIe siècles. Cabinets et salons habités par l’ailleurs constituent un phénomène variable en intensité et signification selon les accords trouvés entre le proche et le lointain. Du pyramidion de porcelaines de Chine en bleu et blanc de Lisbonne au salon Vieux Laque de l’Impératrice Marie-Thérèse à Schönbrunn ou aux chambres de papier peint chinois d’exportation des demeures britanniques, nombreux sont les intérieurs de pouvoir ou de délassement hantés par l’ailleurs. Les buts poursuivis par leurs concepteurs ou leurs conceptrices, à Munich, Bayreuth, Eggenberg, Saltram, Florence, Turin ou Paris peuvent différer: réinvention d’un intérieur propice au loisir lettré, salon de représentation pour renforcer la politique de prestige du prince ou bien lieu d’expérimentation d’idées nouvelles. Toujours, cependant, le destinataire est pris au piège de ces spectacles panoramiques de lointains rêvés mais présents, à la fois proches et inaccessibles. Lieux de l’entre-deux, ces espaces frontière intérieurs permettent de saisir les inflexions de la conscience de l’altérité et son rôle non seulement dans la fabrique de l’identité européenne aux XVIIe et XVIIIe siècles mais aussi dans son progressif décentrement. Leur étude autorise ainsi le renouvellement de l’analyse de l’apport des mondes lointains à l’art de l’Europe moderne.

 

R. R. Massimi, V. Viviana (dir.), Angeli messaggeri, custodi e viandanti. Le sublimi creature dall’Antico al Novecento, Rome, Gangemi, 2026, 204 p.

ARGUMENT : “[…] Nella storia delle religioni e delle credenze popolari, gli angeli hanno sempre avuto un’incerta collocazione. Il giudizio sulla loro natura non è mai stato univoco: esseri immaginari o entità fantastiche, intermediari tra l’uomo e il Divino oppure figure emblematiche o semplici allegorie. Metafora del trascendente per alcuni, creature idealizzate per altri, i guardiani alati hanno suscitato curiosità anche al di fuori di motivazioni spirituali, alimentando dispute, scetticismi e polemiche. Traendo spunto dalle Sacre Scritture, gli artisti di ogni epoca li hanno interpretati con ampia libertà, contribuendo alla fortuna del tema dal Rinascimento al Novecento fino ai nostri giorni, anche nella prosa, nel teatro e nella rêverie cinematografica”. Il volume, correlato alla fortunatissima rassegna ospitata nelle sale di Palazzo dei Conservatori ai Musei Capitolini, offre un percorso attraverso le molteplici rappresentazioni angeliche, rivelandone il valore simbolico, spirituale e artistico. Dipinti, sculture, modellati e altri manufatti si fondono in un racconto che attraversa epoche e stili, restituendo la complessità di queste figure sospese tra storia e mito, tra arte e trascendenza, tra materia e spirito, che invita a riflettere su come, nei secoli, la sensibilità degli artisti abbia tradotto in immagini l’eterno dialogo tra cielo e terra.

 

M. Mazzetti (éd.), The Body in Musical Performance. Knowledge, Gesture, and Identity, Turnhout, Brepols, 2026, 276 p.

ARGUMENT : This volume offers a groundbreaking exploration of musical embodiment across time, geography, and genre, bringing together thirteen essays that reframe the performing body as a site of knowledge, creation, and critical reception. From early modern opera to nineteenth-century improvisation, from experimental multimedia theatre to contemporary performance analysis, the contributors reveal how gesture, physical technique, proprioception, and symbolic constructions of the body shape, and are shaped by, musical meaning. Uniting historically grounded inquiry with performance theory and cognitive approaches, the essays cluster around four main axes: the embodiment of musical meaning in the interaction between performer and listener; the body as cultural and ideological construct in gendered, stigmatised, and national identities; the transmission and reactivation of embodied knowledge in historical performance; and the creative body as agent in composition, pedagogy, and ritual. Drawing on sources as diverse as early wax-cylinder recordings, liturgical chant, zarzuela reviews, and postwar ballet-opera hybrids, the volume foregrounds embodiment as both material and epistemic. Rather than treating the body as an expressive vehicle alone, these essays demonstrate that musical works themselves — whether composed, improvised, or remembered — are shaped through the performer’s somatic intelligence and the listener’s imaginative co-presence. With contributions from leading scholars and practitioner-researchers, this collection sets a new standard for interdisciplinary studies of musical performance. It will be essential reading for musicologists, performers, theorists, and historians of the body seeking to understand how music happens in and through the body, across eras and expressive systems.

 

Leila Zammar, Opera, Scenography, and Social Standing, The Barberini Court in Rome 1628–1656, Turnhout, Brepols, 2026, 321 p.

ARGUMENT : This monograph concerns the development of scenography and its use as a subtle political tool in festival entertainments at the court of the Barberini during the seventeenth century in Rome. It covers the period 1628–1656, filling a gap in the study of the staging of performances in Rome during that period, and investigates how members of the Barberini family played a key role in the development of staging techniques and theatrical devices, to advance and consolidate their power. A wide range of primary sources, including reports, avvisi, letters, engravings, and contemporary manuals of scenography and theatrical sketches are analysed. A selection of these documents is transcribed and made available for the first time in the Appendix. The book includes computer-aided reconstructions of stage plans for several of the spectacles investigated; these provide a methodological tool for clarifying the hypotheses proposed, through the graphic representation of the scenographic elements of the performances analysed.

 

Ruth Bernard Yeazell, Vermeer’s Afterlives, Princeton, Princeton University Press, 2026, 320 p.

ARGUMENT : Johannes Vermeer (1632–1675) is one of the most beloved painters in the world. But when an enterprising French journalist and art critic set out to recover his work in the mid-nineteenth century, both his name and achievement were virtually forgotten. Vermeer’s Afterlives tells the remarkable story of how one of the great masters of the Dutch Golden Age was lost to obscurity until the rise of art history as a new discipline introduced his work to modern audiences and asks why his art compels so many other artists to respond with works of their own.
Ruth Bernard Yeazell traces the cultural ascendency of this extraordinary painter, whose enigmatic subjects and quiet, introspective interiors, transfigured by light and color, continue to captivate viewers far removed from his native Delft. We meet the critics who first welcomed Vermeer into the canon along with the painters who sought to imitate him, the forgers who tried to pass off their work as his own, and the contemporary artists who openly repurpose it. The enquiry concludes by looking at Vermeer’s paintings through the eyes of the poets and novelists who have attempted to translate his silence into words and give voice to the stories he left untold. Along the way, Yeazell interrogates the changing assumptions that govern art history, while demonstrating how paintings live on not only in later paintings but in poetry, fiction, photography, and film. Marking the 350th anniversary of Vermeer’s death, this beautifully illustrated book explores the variety of ways in which Vermeer’s art has been interpreted through the centuries and shows how his paintings take on afterlives of their own in the imaginations of those who view them.

 

C. Murray, S. Pitman, T.H. Uchacz (dir.), Maker Space Creative Environments in Early Modern Europe, New York, Bard Graduate Center, 2026, 400 p.

ARGUMENT : This volume charts alternative courses through history via the physical conditions and artisanal ecologies in which cultural artifacts were created in Europe from roughly 1400 to 1700. Maker Space: Creative Environments in Early Modern Europe asks how spatial considerations initiated, supported, and thwarted creative activities and highlights points of intersection and overlap across practices that we otherwise tend to think of as separate. Scholars have long had an interest in, for instance, the workshop, laboratory, studiolo, or Kunstkammer as distinct places of production—named coordinates that situate social and technical actions in a defined context.

The essays in this volume use the less fixed notion of space to break open such typologies, emphasizing the fluid, improvisational, and idiosyncratic aspects of creative work. They demonstrate how the ever-shifting array of tools, materials, environmental conditions, and bodies involved in artisanal production redirects our attention to the shared conditions that unite various enterprises of intellection, imagination, experimentation, and making. The book comprises a series of short case studies and extended meditations on particular sites where the work of the mind and hand coincided, from mines, arsenals, theaters, and imagined hermitages to tailors’ shops, artists’ workshops, the home, and even the space of a chemist’s notebook. This format of short and long essays animates the story of early modern making and thinking practices at various scales

 

Katlijne Van der Stighelen, Michaelina Wautier, Londres, Lund Humphries Publishers Ltd, 2026, 152 p.

ARGUMENT : Active in Brussels in the middle of the 17^th century, Michaelina Wautier is now regarded as one of the foremost female artists of her time, although for many years her work was misattributed to her male contemporaries. Continually pushing boundaries as a female artist, Wautier exhibited an in-depth knowledge of classical mythology and was one of the first female painters to depict the male nude. Her body of work includes huge altarpieces, charming genre scenes and extraordinary flower garlands, as well as portraits and history paintings. In this book, the first illustrated monograph on the artist, leading Wautier expert Katlijne Van der Stighelen highlights Wautier’s originality and the complexity of her oeuvre. Considering how Wautier navigated restricting gender norms to stake out a productive career as a painter, the author places her work in the context of other European artists, both female and male. Incorporating recently discovered biographical information, this volume offers a comprehensive and in-depth overview of Michaelina Wautier’s life and work.

 

Margriet van Eikema Hommes, Gerard de Lairesse and his Painted Heavens. Iconography, Style and Technique in the Art of Ceiling Painting, Amsterdam, Amsterdam Uiversity Press, 2026, 384 p.

ARGUMENT : In 1672, when the Dutch Republic was under simultaneous attack by four foreign armies, Gerard de Lairesse created a magnificent three-part ceiling painting for one of the main protagonists of this Disaster Year—the powerful former burgomaster of Amsterdam, Andries de Graeff. Technical examination has revealed that Lairesse repeatedly altered his composition and in no fewer than four successive stages, he changed, removed or added figures and objects. In this book, Margriet van Eikema Hommes, in search of an explanation for this ceiling painting’s intriguing origins, investigates its meaning and purpose. The painter and his patron prove to have been jointly responsible for the iconography, which they repeatedly updated to reflect military and political events in the Disaster Year and the dramatic twists of fate in De Graeff’s own life. This beautifully illustrated book not only situates the work within its cultural and historical context but also offers an in-depth examination of Lairesse’s painting technique and the way he meticulously designed his ceiling pieces in close dialogue with the architecture of the room.

 

John Peacock, Van Dyck’s Genoese Nobles. Two Portraits in Context, Leyde, Brill, 2026

ARGUMENT : The aristocratic portraits painted by Van Dyck in the Republic of Genoa during the 1620s have become famous as definitively charismatic images of a ruling elite, the Genoese nobility being constitutionally defined as the governing class of the state. From the earliest written accounts of them a generic, collective appeal has been ascribed to these prepotently glamorous images, glossing over the specific meanings which any individual image might express. This study of two principal portraits uses their contrasting significances to expound the tension between established and shifting ideas of nobility which informed the thinking and behaviour of the Genoese patriciate, and of which Van Dyck shows perceptive awareness.

 

Steff Nellis, Stijn Bussels, Bram Van Oostveld (dir.), Performing Religion in the Early Enlightenment Theatricality and Performativity in Bernard and Picart’s Religious Ceremonies of the World, Leyde, Brill, 2026

ARGUMENT : This collection of essays explores how early modern authors, artists, and thinkers engaged with religious practices across cultures through ceremonial performance and visual representation. Using Bernard and Picart’s monumental Cérémonies et coutumes religieuses de tous les peuples du monde (1723–1737) as its focal point, the chapters examine how rituals were observed, described, and imagined as vital expressions of belief and identity. Drawing on art history, religious studies, and performance studies, contributors reveal how these depictions both reflected cultural difference and anticipated later anthropological inquiry. The volume situates these insights within broader historical and intellectual contexts, highlighting performance and proto-anthropology as central to understanding religion in the early modern world.

 

Marieke J.E. van den Doel, Maria Fiametta Lovine, Visual Humanist Collaborations between Artists and Humanists (1450-1650), Leyde, Brill, 2026

ARGUMENT : Renaissance artists and humanists worked closely together on artistic projects that promoted the revival of antiquity and restored the pagan gods to their former glory. Artists often took on the role of ‘visual humanist’ themselves. This book examines the role of artists in various collaborations and addresses the question: was the revival of the pagan gods an artistic game or a religious practice? It thus provides new insights into a much-researched debate.

 

Graham R. Lea, Silent Eloquence: the rhetorical pictures of biblical history by Hendrick Goltzius and Pieter Lastman, Leyde, Brill, 2026

ARGUMENT : Focusing on how Hendrick Goltzius (1558–1617) and Pieter Lastman (1583–1633) assimilated local rhetorical dramaturgy and performance practices found in the work of local rhetoricians (rederijkers), this book examines four examples of biblical history visualized in paintings by Goltzius and/or Lastman and analyses these paintings in comparison to stage texts written for the local chambers of rhetoric and which dramatize the same biblical narratives. Lea argues that Goltzius and Lastman each displayed their powers of poetic invention (poeterije) and their interest in advancing affective moral arguments by staging their history paintings in the manner that the rhetoricians staged their plays.

 

Jonathan E. Greenwood, Sainthood in the Early Modern Hispanic World, Cambridge, Cambridge University Press, 2026

ARGUMENT : The sixteenth century witnessed the expansion of Spain’s empire on a global scale, as the Americas and portions of Asia fell within its dominions. Catholicism played a critical role in the Spanish colonization campaign, with the cult of saints at the centre of an expansionist agenda. In this book, Jonathan E. Greenwood offers an interdisciplinary examination of the recognition and veneration of sainthood through the case study of the canonization of Ignatius of Loyola, the founder of the Jesuits. Integral to this phenomenon were the miracles and devotional objects that navigated through the official canonization process conducted in Europe, which was overseen by the church hierarchy, and its oftentimes unsanctioned counterparts. Greenwood demonstrates how non- European cultic devotions to Ignatius were made manifest through images, relics, and reports of intercessions. Although the pope’s role in the naming of a saint was paramount, the uninhibited practices of colonial subjects proved to be equally important and worthy of consideration, culminating in the canonization of Ignatius.

 

José Antonio Díaz Gómez, Caprichos barrocos que curan el ánimo. Juegos pictóricos en el Hospital y Basílica de San Juan de Dios de Granada, Granada, Editorial Comares, 2026.

ARGUMENT : Las páginas de este libro brotan del descubrimiento de un principio innegable: que la caridad puede pensarse, leerse y contemplarse como una forma de belleza. En el panorama granadino, el Barroco hospitalario se consolida con una personalidad propia, en que el arte no adorna, sino que cuida; no deslumbra por exceso, sino que conforta. El Hospital y la Basílica de San Juan de Dios se funden aquí en un solo cuerpo simbólico, donde la pintura, la arquitectura y el ornamento componen una gramática destinada a sostener al enfermo y motivar al curioso, a educar la mirada y a persuadir el ánimo. Estas páginas invitan a recorrer un universo de mensajes que han permanecido olvidados durante tres siglos, haciéndolo como quien atraviesa un espacio pensado para fascinar y sanar al mismo tiempo: un lugar donde la imagen enseña sin imponer, el esplendor se vuelve cercano y la belleza actúa, silenciosamente, como una forma de caridad.

 

Iván Ballesteros Burgo, La angustia en el barroco católico. Vulnerant omnes, ultima necat, Valladolid, Editorial Paramo, 2026

ARGUMENT : Las páginas de este libro son un recorrido desde el optimismo del Renacimiento hasta el desengaño barroco. Adentrarse en la estética de los siglos XVI y XVII es tomar conciencia de un mundo donde la belleza deja de ser un ideal para convertirse en el signo de su propia caducidad. La óptica rosa renacentista comienza a teñirse de angustia en el ocaso del siglo XVI, vehiculándose en vidas contradictorias: la de la taberna y el misticismo, la del duelo a espada y la oración ferviente.

Mientras el cincel descubre la carne para conmover al fiel a través del verismo, el pincel retrata calaveras, flores marchitas y clepsidras cuya arena se agota; y, a su vez, la tinta hace verbo el nihilismo y el simulacro. En este estudio desfilan los rostros de una modernidad en sombras. El trazo de Caravaggio, el mármol convulso de Bernini y la imaginería descarnada de Gregorio Fernández o Valdés Leal se presentan como respuestas a la amenaza de la nada, al mismo tiempo que la pluma de Quevedo, Góngora o Lope de Vega transforma en carne el desengaño de una sociedad que se reconoce como un teatro de apariencias.
Fue el pulso entre las pasiones más humanas y el terror a la ceniza lo que forjó el genio barroco. Es el legado de una generación de artistas turbulentos y vividores que grabaron en piedra la única certeza: que el tiempo se escapa entre los dedos como los granos caen del reloj de arena.

 

Pierre Rosenberg, Nicolas Poussin – Catalogue raisonné de l’œuvre peint, Paris, Flammarion, 2026, 1688 p.

ARGUMENT : Pierre Rosenberg se passionne pour l’œuvre de Nicolas Poussin (1594-1665) depuis plus de cinquante ans. Il a consacré à l’artiste de nombreux articles et expositions et publie aujourd’hui le Catalogue raisonné de l’œuvre peint, fruit d’un immense travail. Chacune des quelque trois cents notices présente une provenance détaillée de l’œuvre, sa datation, la liste exhaustive de ses dessins préparatoires, de ses copies et propose une analyse stylistique de l’œuvre et de sa place dans l’évolution de la pensée du peintre. Les quatre volumes de l’ouvrage, richement illustrés, ont pour ambition de réunir tout ce que l’on sait aujourd’hui sur l’œuvre de Nicolas Poussin, à ses yeux, le plus grand peintre français.

 

Emmanuelle Hénin, Ut pictura theatrum. Théâtre et peinture de la Renaissance italienne au classicisme français, Genève, Droz, 2026 (nouvelle édition), 808 p.

ARGUMENT : « Dans la tragédie comme dans la peinture, le meilleur est celui qui trompe en donnant la plus grande impression de vérité ». Cette affirmation, prononcée par un sophiste grec au Ve siècle avant notre ère, pourrait servir d’exergue à cette étude désormais classique. Qu’est-ce que représenter, sinon créer l’illusion de la présence d’un objet, par le trompe-l’œil ou l’art de l’acteur ? Les humanistes de la Renaissance l’ont bien compris : exploitant les analogies entre le théâtre et la peinture qui émaillent la Poétique d’Aristote, ils y trouvent la matière d’une théorie unifiée de la représentation, diffusée ensuite dans toute l’Europe par le biais des Académies. Précisant, déplaçant ou réfutant les idées reçues sur l’ut pictura poesis, cet ouvrage montre le rôle séminal et crucial de l’ut pictura theatrum dans la pensée esthétique de la première modernité. Loin d’être un ornement, ces analogies stimulent la réflexion sur les grands enjeux de la représentation : l’idéalisme, la hiérarchie des genres, l’expression des passions, la catharsis, le jeu du comédien. Autant de débats que l’ut pictura theatrum éclaire d’une lumière inédite.

 

Antoine Gallay, Sébastien Le Clerc (1637-1714). Art et science à l’aube des Lumières, Genève, Droz, 2026, 760 p.

ARGUMENT : Sébastien Le Clerc (1637-1714), l’un des graveurs les plus célèbres et les plus prolifiques de son temps, se distingue également par une carrière exceptionnellement riche et diversifiée. Après s’être essayé à la cartographie et à la poliorcétique à Metz, il s’installa à Paris pour intégrer la manufacture des Gobelins. Reçu ensuite à l’Académie de peinture et de sculpture, il s’employa à démontrer la dignité de la gravure en revendiquant un statut égal à celui des peintres. En parallèle, il rédigea plusieurs ouvrages de fortification et de géométrie pratique avant de se tourner vers l’optique, l’architecture et la cosmologie. Son atelier, fréquenté par de nombreux curieux, devint peu à peu un lieu de sociabilité savante. En examinant l’entrelacement inédit de ces différentes pratiques, Antoine Gallay explore dans cet ouvrage les rapports complexes entre arts et savoirs à l’aube des Lumières afin d’éclairer les conditions d’émergence de notre propre conception dichotomique de l’art et de la science.

 

Horst Bredekamp, La psychanalyse figurative de Sigmund Freud – Le Moïse de Michel-Ange et la collection d’idoles, Dijon, Presses du réel, 2026, 168 p.

ARGUMENT : Envisagées en parallèle, l’étude de Sigmund Freud sur le Moïse de Michel-Ange et sa collection privée de statuettes antiques révèlent les éléments d’une psychanalyse visuelle venant contredire la nature prétendument iconoclaste de cette science. Freud intégrait ses statuettes dans sa pratique thérapeutique et trouvait dans celles-ci un motif de ressourcement inlassable. Toutefois, pour en exploiter pleinement les effets, Freud a dû invisibiliser sinon refouler cette forme de pratique thérapeutique. Par son étude minutieuse, Horst Bredekamp reconstitue le rôle de ces figurations matérielles pour Freud, et démontre que sa fascination pour le Moïse, tout comme sa collection, sont à mille lieues de l’interdit mosaïque de l’image. Chez Freud, les figures matérielles ne sont pas bannies, mais constituent au contraire des complices incontournables pour la psychanalyse lorsqu’il s’agit de faire émerger et de soigner les traumatismes enfouis.

 

Paulette Choné, Georges de LaTour imprévu, Paris, Fayard, 2025, 276 p.

ARGUMENT : Cet essai imprévu sur Georges de La Tour (1593-1652) est le livre qui manquait. À la croisée de l’histoire et de la sensibilité, Paulette Choné propose une approche inédite qui révèle les secrets d’un peintre à la renommée éphémère, redécouvert et toujours empreint de mystère. À travers une prose inspirée et délicate, l’auteur explore avec finesse les chefs-d’oeuvre de Georges de La Tour, ces tableaux qui continuent de hanter notre imaginaire. Un voyage éclairant au coeur d’une oeuvre artistique intemporelle, où chaque page invite à redécouvrir l’âme d’un artiste hors du commun.

 

Léa Saint-Raymond, Voir l’ailleurs dans l’ici. Pour une micro-histoire globale de l’art, Rennes, PUR, 2026, 296 p.

ARGUMENT : L’art peut-il être véritablement local ? Existe-t-il, par exemple, des oeuvres strictement « toulousaines », « françaises » ou « japonaises » ? Loin d’être anecdotique, cette question est au coeur des tensions identitaires, culturelles et patrimoniales. À l’heure où celles-ci se trouvent ravivées, il devient nécessaire de prendre du recul sur les débats et de s’outiller théoriquement pour mieux comprendre la géographie à l’oeuvre. Sachant que les artistes n’ont jamais été complètement coupés des échanges, comment penser l’« ailleurs » dans l’« ici et maintenant » de la création ? La réflexion s’appuie ici sur l’étude concrète d’une centaine d’objets choisis de l’Océanie aux Grandes Plaines d’Amérique du Nord, depuis le Paléolithique jusqu’à la période contemporaine. Au plus près de la micro-histoire, mais dans une approche résolument globale, il s’agira de démêler les fils de la notion trop vague d’« influence », et mieux cerner des termes fréquemment employés, comme « métissage », « mondialisation » ou encore « globalisation ».

 

G. Scherf, V. Carpentier-Vanhaverbeke (dir.), Sculpteurs du roi. Les morceaux de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture (1657-1791), Paris, Mare & Martin, Musée du Louvre, 2025, 512 p.

ARGUMENT : Pour être admis au sein de l’Académie royale de peinture et de sculpture, les sculpteurs devaient, à l’issue de l’agrément qui leur avait donné le titre de sculpteur du roi, présenter un morceau de réception, la plupart du temps en marbre. Ces œuvres virtuoses, produites entre le milieu du XVIIe siècle et la Révolution, racontent une part essentielle de l’histoire de l’art de sculpter en France, de la formation des artistes sous l’Ancien Régime et des mutations de cette prestigieuse institution académique au cours d’un siècle et demi. C’est à l’ensemble de ces morceaux de réception, dont le département des Sculptures du musée du Louvre conserve la collection presque complète, que cet ouvrage est consacré. Il donne à voir la force plastique de ces figures admirables, présentées pour la première fois dans leur intégralité.

 

S. Jugie, G Scherf (dir.), Études sur la sculpture offertes à Geneviève Bresc-Bautier, Paris, Mare & Martin, 2025, 440 p.

ARGUMENT : Formée à l’École nationale des chartes et à l’École française de Rome, Geneviève Bresc-Bautier a accompli une carrière exemplaire au département des Sculptures du musée du Louvre. Après une passionnante autobiographie et un entretien avec Jean-René Gaborit, son prédécesseur à la tête du département, trente-trois historiens de l’art qui l’ont eue comme professeur, ont été associés à ses recherches ou à ses expositions, ou qui marchent sur ses traces au département des Sculptures, lui présentent un ensemble d’articles en écho à ses centres d’intérêt : la sculpture du Moyen Âge au xixe siècle, les matériaux, les moulages, le statut et la formation des sculpteurs, l’histoire des collections, le palais du Louvre…

 

Lionel Arsac et al. (dir.), Le Grand Dauphin (1661-1711): Fils de roi, père de roi et jamais roi, Dijon, Faton, 2025, 471 p.

Fils de Louis XIV et de Marie-Thérèse, Louis de France (1661-1711), fut appelé de son vivant Monseigneur et, après sa mort, le Grand Dauphin. Le duc de Saint-Simon résuma la vie de ce prince par ces mots aussi lapidaires que justes : « Fils de roi, père de roi et jamais roi ». Fils de roi : appelé à régner sur le trône le plus puissant d’Europe, le Dauphin reçut une éducation aussi soignée que moderne et joua un rôle prépondérant dans la vie de Cour, notamment à Versailles.Père de roi : de son mariage avec une princesse bavaroise il eut trois fils dont le cadet, le duc d’Anjou, devint roi d’Espagne sous le nom de Philippe V. Mort avant Louis XIV, Monseigneur ne fut jamais roi. Ses goûts pour la musique et la chasse, ses fabuleuses collections et la splendeur de son domaine de Meudon faisaient pourtant de lui le prince idéal. Évoquant sa vie, son statut et son rôle de mécène des arts, cet ouvrage met en lumière cette figure méconnue mais pourtant majeure du Grand Siècle.

 

Raphaëlle Legrand, Françoise Depersin, Marie Demeilliez et Théodora Psychoyou, La musique baroque en France. Clefs pour une analyse historicisée, Paris, Vrin, 2025, 352 p.

ARGUMENT : Qu’est-ce qu’un ton, un mode ou une cadence aux XVIIe et XVIIIe siècles? Comment solfiait-on? Qu’entendait-on par modulation? Pourquoi le dessein désignait-il à la fois la partie et le tout? Ce livre interroge la terminologie fournie par les textes théoriques écrits dans la sphère française depuis Salomon de Caus (1615) et René Descartes (1618) jusqu’à Jean Jacques Rousseau (1768) afin d’en dégager des outils pour étudier les partitions. Il explore les liens tissés à cette époque entre « les mots et les choses » de la musique pour ouvrir la voie à une analyse historicisée.
Loin d’une synthèse artificielle qui affadirait la richesse foisonnante, parfois contradictoire, de ce lexique musical, l’ouvrage restitue aux auteurs leur voix propre, à travers de nombreuses citations et des tableaux comparatifs. Il est composé de façon progressive : lecture, enchaînements des intervalles et des accords, cadences, modes, modulations, forme, style et goût. Il nous permet de mieux comprendre les textes anciens, au double sens du terme : nous approcher de leur signification, mais aussi les prendre pour nôtres, les inclure dans notre bagage de musicologues ou d’interprètes et les laisser renouveler en profondeur notre perspective analytique.

 

Stefano Pierguidi, Bellori critico d’arte, Rome, Campisano, 2025, 608 p.

ARGUMENT : Bellori è stato a lungo giudicato come il grande avvocato di quella corrente dell’arte del Seicento a Roma che viene generalmente indicata come classicista, con la celebrazione della linea che da Annibale Carracci, attraverso Domenichino, giunge a Poussin. Un lungo e profondo percorso di revisione storiografica avviato negli anni Settanta del Novecento ha messo in discussione l’immagine tradizionale dell’intendente romano quale acceso sostenitore del primato del disegno sul colore, nemico del naturalismo di Caravaggio e avversario del Barocco di Bernini e Cortona. In questo libro si torna ad argomentare, sulla base di una spassionata rilettura delle Vite del 1672 come quella costruzione storiografica non fosse affatto infondata, e come Bellori avesse una posizione critica, circa l’arte del suo tempo, molto chiara e rigidamente orientata, difesa con coerenza, ostinazione ma anche intelli- genza. Punti fermi di questa visione erano il culto di Raffaello e dell’Antico, la centralità del tema dell’istoria e il rispetto della gerarchia dei generi, che avevano come naturale conseguenza l’ostilità verso Caravaggio e il suo seguito (in primis i Bamboccianti) e verso la pittura di pratica, eminentemente decorativa, di tanti frescanti, quali il Cavalier d’Arpino, Cortona e Giacinto Brandi.

 

N. Barbolani di Montauto, M. Ruffini, L. Sterpetti (dir.), The Medici beyond Florence. Art and Politics 1530-1648, Rome, Campisano, 2025, 384 p.

ARGUMENT : This book reconsiders the history and culture of the Medici family of Florence between the beginning of the ducal era (1530) and the end of the Thirty Years’ War (1648), examining art collecting and patronage within a broad geographical, political, and cultural framework through unpublished case studies and innovative methodologies. The book investigates the family’s lines of expansion toward Rome, the Viceroyalty of Naples, and Milan, and its relations with the European powers: Spain (through the figure of Eleanor of Toledo), France (focussing on the artistic patronage of Maria de’ Medici) and the Habsburg Empire (in light of the lively artistic exchanges with the court of Rudolph II). It also shows the relevance of the Medici presence in non-European areas such as the principality of Transylvania, the Levant, and the Americas, through cultural and commercial exchanges with the Mughal Empire and Brazil. The aim is to refocus attention on the interaction between members and close associates of the family and their adversaries, and reread Medici historiography from its formation to the present day. Focusing on objects, collections, and artistic mobility around the Medici, the book delves into the relationship between art and power and the importance of the circulation of symbols in the ongoing process of identity reconfiguration of the early modern world. 

 

Alessio Ciannarella, Gli Nomi degl’Autori di tutte le opere. La guidistica romana tra Sei e Setteceno, Rome, Campisano, 2025, 424 p.

ARGUMENT : Strumenti essenziali per orientarsi nella ricca e stratificata realtà romana, le guide accompagnano da secoli abitanti e forestieri alla scoperta del patrimonio storico-artistico dell’Urbe. Con l’affermarsi del fenomeno del Grand Tour, l’interesse dei viaggiatori nei confronti delle pitture, sculture e architetture d’età moderna è cresciuto rapidamente, incentivando la produzione di guide sempre più puntuali e analitiche, in grado di descrivere con esattezza le innumerevoli opere d’arte presenti nelle chiese e nei palazzi della città. L’eccezionale livello qualitativo raggiunto dalla periegetica romana alla fine del Settecento appare oggi come il risultato di uno straordinario lavoro collettivo, avviato all’inizio del Seicento da celebri autori come Gaspare Celio, Giulio Mancini e Giovanni Baglione e proseguito per oltre un secolo e mezzo grazie all’impegno e alla dedizione di decine di compilatori, che, in misura più o meno significativa, hanno aggiornato i propri testi con nuove informazioni su opere e artisti. In quest’ottica, la Roma antica e moderna (1750) di Gregorio Roisecco e l’ultima edizione dello Studio (1763) di Filippo Titi, curata da Giovanni Gaetano Bottari, si configurano come il punto più alto di questo processo di ricognizione, veri e propri simboli di un’epoca d’oro per la letteratura topografica dell’Urbe. Questo libro intende ripercorrere le tappe che hanno portato alla nascita e all’affermazione a Roma di una guidistica a carattere preminentemente artistico, tenendo in considerazione anche la storia editoriale dei singoli volumi, sottoposti alle logiche di un mercato poco regolamentato. Ricostruire l’evoluzione di questo genere letterario si rivela un’occasione preziosa non solo per giungere a un uso più consapevole delle guide come fonti della letteratura artistica, ma anche per ragionare più approfonditamente sul viaggio a Roma come fenomeno sociale e culturale.

 

Rebecca Zorach, Spontaneous Objects. A Natural History of Art and Its Others, Penn State University Press, 2026, 292 p.

ARGUMENT : In the late medieval and early modern periods, European artists, theorists, and natural philosophers imagined Nature not simply as a force of reproduction but as an artist in its own right—a creative power capable of generating images, artifacts, and objects of beauty. Tracing this idea from the fifteenth through early nineteenth centuries, Rebecca Zorach challenges assumptions about human artistic genius and intention that have long dominated histories of art and science. With inspiration from new materialist theory, Zorach reclaims a largely disregarded undercurrent of historical thought about the powers of nature. Through case studies ranging from Renaissance centaurs and snails to Adam Smith’s beaver hat and Kant’s travelers’ tales, Zorach investigates how ideas about nature’s generative power unsettled conventional definitions of image, artifact, and artistic intention. At the same time, Zorach also confronts the violent legacies of a different vision of nature’s power: as European empires expanded, emerging natural philosophies contributed to global colonial imaginaries and racial hierarchies, reframing nature as a force to be classified, controlled, and exploited. In seeking to understand whether and how these views of nature cohere, Zorach excavates how the historical formation of the “human” and the “natural” depends on ideas about artistic production and artistic intention. A significant contribution to art history, visual culture, and environmental humanities, Spontaneous Objects will engage scholars interested in the intersections of art, science, theology, and colonial modernity.

 

Grace M. Harpster, Carlo Borromeo and the Sacred Image in Sixteenth-Century Italy. A Reformer’s Itinerary, Cambridge University Press, 2026, 300 p.

ARGUMENT : Scholars have long acknowledged that reforms after the Catholic Council of Trent (1545–63) represent a watershed in art history, yet they have failed to agree on whether, and how, they had any effect on art. In this study, Grace Harpster offers new insights on the impact of Catholic reform on early modern art. Exploring the social roles of images in late sixteenth-century Italy, she demonstrates that the pressures of Catholic reform increased, rather than limited, the authority of the image. Harpster approaches the topic through a focus on the zealous, peripatetic reformer Carlo Borromeo (1538–84), who implemented new ways to police and pray to sacred images after Trent. His actions demonstrate that Catholic reformers endorsed the image as a powerful object, truthteller, and miracle-worker. The diverse corpus of images on his itinerary, moreover, reveals the critical role of the sacred image in a formative religious and art historical moment.

 

Robert Brennan, Fabian Jonietz, Romana Sammern (éd.), Visual arts and medicine in early modern Europe and beyond. A collection of essays and sources, Manchester University Press, 2026, 328 p.

ARGUMENT : This book opens up new perspectives on the relationship between art, medicine, and science in late-medieval and early modern Europe. Looking beyond the traditional nexus of art, anatomy, and optics, the volume sheds light on a broader array of connections between artists and physicians: collaborations between painters and doctors on colour charts, handwork skills common to sculptors and surgeons, the transmission of art theory through medical texts long before the emergence of art writing itself as an independent genre, and the kinship of medical diagnosis with early modes of connoisseurship. Reconfiguring the histories of art, medicine, and science, the book also traverses conventional boundaries between physical and mental health, religious and medical modes of healing, menial and exalted forms of knowledge and labour, as well as vernacular and scientific understandings of human difference, including gender, race, and neurodiversity.

 

Tod A. Marder, Bernini’s Architectural Drawings. An Extended Edition of Brauer and Wittkover`s Catalogue of 1931, Chicago, The University of Chicago Press, 2026, 840 p., 2 vol.

ARGUMENT : Published in 1931, Brauer and Wittkower’s catalog of Bernini’s drawings remains among the most influential and frequently cited books ever issued by the Bibliotheca Hertziana–Max Planck Institute for Art History in Rome. Like an oracle, it set a new standard of study in the nascent field of baroque design.
This volume not only brings this work to the attention of English readers but it contributes to the historiography of the field while bringing the work up to date for a new generation.

 

Alejandro Vergara-Sharp, Clara Peeters, Los Angeles, Getty Publications, 2025, 128 p.

ARGUMENT : Clara Peeters (ca. 1587–1636)—a Flemish still-life painter—was one of the most talented and creative artists among the early practitioners of this genre in Europe during the early seventeenth century. She specialized in paintings of food and was prominent among the artists who shaped the traditions of the Netherlandish ontbitjes (breakfast pieces) and banketjes (banquet pieces). Not only was she part of the first generation to specialize in this type of still-life painting, Peeters was the only Flemish woman known to have focused on genre painting in the early seventeenth century. Indeed, she was one of only a few women to dedicate her professional life to painting in early modern Europe. In this monograph, author Alejandro Vergara-Sharp discusses what is known of Peeters’s biography while presenting the historical and cultural context behind her art, style, and techniques. Clara Peeters establishes the artist as a leader in her field by examining Peeters’s artistry and the material culture reflected in her paintings. This timely volume sheds light on the limitations that Peeters encountered because of her gender, and how she responded to them in her art, while assessing her importance as a painter of still life.

 

Jaime Cuadrillo, Paula Mues (dir.), Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, Madrid, Museo Nacional del Prado, 2025, 304 p.

ARGUMENT : Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025. La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un “icono revelado”. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.

El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello y Paula Mues, y contiene seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.

 

Matthieu Somon, Imaginer Moïse à l’âge moderne en France (XVI^e-XVIII^e siècles). Étude d’iconologie, Louvain, Peeters, 2025

ARGUMENT : Inspiré par les démarches iconologiques d’Hubert Damisch, Ruth Mellinkoff et Meyer Schapiro, cet ouvrage propose une somme de documents artistiques et discursifs qui soumettent «l’homme Moïse» (Freud) et son histoire à de multiples éclairages. Il interroge en premier lieu ce qu’a pu être pour les artistes modernes le répertoire iconographique inspiré du prophète dont la loi prohibe toute forme de représentation, et dont l’historicité demeure problématique.
Étudiant des œuvres de Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Philippe de Champaigne, Charles Le Brun, Laurent de La Hyre, Jean Cousin l’Ancien et le Jeune, Sébastien Bourdon, notamment, le livre tâche aussi de cerner les particularités de leurs réinventions de l’histoire de Moïse et analyse leur aptitude à reformuler la doctrine de l’ut pictura poesis. Il met en évidence les usages de cette iconographie pour les artistes, les fidèles et les puissants. Ce sont donc la faculté interprétative des représentations et fictions modernes de Moïse, mais aussi l’imaginaire qu’elles construisent qui sont examinés dans ces pages.

 

Isabelle Lores-Chavez, Plaster Casts in the Life and Art of Seventeenth-Century Dutch Paintains. Absence and Presence, Leyden, Brill, 2025, 320 p.

ARGUMENT : In the early modern Dutch Republic, plaster casts offered artists a way to overcome limitations of space and time, and to define themselves. This book presents the first comprehensive account of the impact of plaster casts on the artistic practice, intellectual endeavors, and social status of seventeenth-century Dutch painters.
These modest objects were, in fact, real works of sculpture, incorporated into a variety of compositions where they signalled an artist’s ambitions and technical virtuosity. Marginalized in the history of Dutch art, plaster casts lie at the center of this study’s novel interpretations of paintings and drawings, paired with period sources.

 

M. Dirschauer, R. Gerrits, M. Föcking, A. Ryrie, (dir.), Practising Piety. Spiritual Intermediality and Devotion in Early Modern Europe, Leyden, Brill, 2025, 366 p.

ARGUMENT : Situated at the intersection of theology, history, literature, and the arts, this edited volume introduces the concept of spiritual intermediality and highlights its central role in early modern piety across various Christian denominations. The case studies present a diverse array of perspectives that explore different forms and functions of intermediality in devotional practices of 16th- and 17th-century Europe, thereby enhancing our understanding of the medial conditions and intermedial aspects of devotion during one of the most fruitful periods of devotional arts and practices in Europe.
By arguing that early modern devotion often relied on intermedial forms of expression to unfold its full semantic and performative potential, the volume sheds new light on the rich web of media that shaped early modern Christian culture.

 

Branko Mitrovic, Guarino Guarini. Baroque Architecture and Scholasticism, Leyden, Brill, 2025, 162 p.

ARGUMENT : The seventeenth-century polymath Guarino Guarini is today mainly remembered as one of the most prominent Baroque architects. However, he was also active in a number of other fields such as philosophy, mathematics and astronomy. Philosophically, Guarini is an exceptionally interesting figure because of his efforts to adjust his Counter-reformation Aristotelianism to the latest discoveries of the ongoing scientific revolution. While his philosophy belonged to so-called “second scholasticism,” unlike most other scholastic philosophers of the era he followed and was intensely interested in the latest scientific breakthroughs. The book analyses how his philosophical and scientific interests impacted his views on architectural theory and architectural design.

 

 Rosa De Marco, Le langage des fêtes jésuites dans l’Assistance de France (1588-1645), Brepols, 2025, 358 p.

ARGUMENT : Fête et jésuites : s’agit-il d’une tautologie du Grand Siècle, d’un oxymore antijésuite ou, a contrario, de l’accordance de la mission de la Compagnie de Jésus avec un langage universel qui est celui du spectaculaire ? Le livre met à jour le soubassement historique et culturel de l’image convenue des jésuites comme spécialistes de la fête à travers une enquête menée à partir d’archives inédites, relations imprimées et documents iconographiques. L’auteur retrace l’implication des Jésuites dans le développement du langage festif en France, entre la fin du XVI^e et la première moitié du XVII^e siècle en proposant une approche renouvelée de l’étude de la fête, attentive aux visées spectaculaires des dispositifs éphémères – les architectures, la décoration – et de ses composantes immatérielles – le son, la lumière, l’odeur – qui ont laissé une trace durable dans la culture visuelle de l’époque moderne

 

Lorenzo Pericolo, Deleuze’s Modern Baroque.The Fold, Leibniz, the Formless, and the Objectile, Harvey Miller, 2025, 271 p.

ARGUMENT : Gilles Deleuze’s The Fold (1988) is a vast reflection not only on Leibniz’s monadology, but also on the present and future of a new culture informed by a neo-Leibnizian approach to philosophy and the arts. Deleuze’s baroque is both a transhistorical epistemic model and an artistic manifesto. It proposes a “way of being” that thrives on a notion of “identity” as inherently manifold, potentially contradictory, open-ended, and contingent on infinity. It also outlines the principles of a contemporary aesthetics that relies on the work and theory of artists as varied as Paul Klee, Jean Dubuffet, and Simon Hantaï. In a neo-baroque society, the work of art becomes an objectile, a self-modulating machine able to operate through the input, but without the intervention, of an author. Focusing also on Deleuze and Guattari’s What is Philosophy? (1991), this book discusses theoretical questions crucial to artistic debates in the period 1950–1980: art as philosophy; artistic thinking as opposed or germane to philosophical (and scientific) thinking; painting and sculpture as metaphysical operations; the ground as both the origin and negation of art; color as the degree zero of painting; authorless art; and art as infinity. Interwoven with examples of works by Christian Bonnefoi, François Rouan, Robert Ryman, Martin Barré, and Robert Rauschenberg, these discussions shed light on the complexity of Deleuze’s investigations. The final section of the book centers on the reception of American minimalism in 1980s France and on the folding in architecture trend in the United States at the beginning of the 1990s. Here, works by Robert Morris, Carl Andre, Tony Smith, and Donald Judd are scrutinized as “preparatory” to the objectile, and Peter Eisenman’s theory and architectural projects in the aftermath of deconstructivism are assessed in light of Deleuze’s “fold”.

 

Karen L. Bowen, Dirk Imhof, The Burgeoning European Print Trade. The Distribution of Prints via the Plantin-Moretus Press of Antwerpn, Brepols, « Studies in Baroque Art », 2025, 404 p.

ARGUMENT : The European print trade is an evocative topic. Not only art historians, but social, cultural, and economic historians all agree that it was of vital importance in the Early Modern Period, as the conveyer of established icons, as well as the most recent imagery and news. Yet, thus far it is often discussed solely on the basis of tantalizing, isolated case studies. Bowen and Imhof’s ground-breaking publication will address this significant lacuna by demonstrating in unprecedented detail how booksellers were routinely engaged in the extensive international distribution and sale of hundreds of thousands of prints annually between the mid-sixteenth and mid-seventeenth centuries. Based upon the exceptionally well-preserved archives of the renowned Plantin-Moretus Press of Antwerp, this book presents the often-overlooked interwoven worlds of booksellers and print sellers, while documenting Antwerp’s continued fame for the production and distribution of prints. Together with a remarkable array of clients, ranging from the cultivated and influential elite to ordinary laymen, these figures provide palpable examples of suppliers, buyers, and middlemen that reveal how they interacted with one another. Simultaneously, this work illuminates numerous critical related topics, ranging from how prints were priced and the relative quantities in which they were sold, to the importance of national and professional networks in these transactions. The result is an essential, novel study that clarifies how the print trade worked in practice during a burgeoning period in its evolution.

 

Brendan C. McMahon, Iridescence and the Image. Material Thinking in the Early Modern Spanish World, Penn State University Press, 2025, 224 p.

ARGUMENT : At the turn of the seventeenth century, people in Spain and Mexico were fascinated by iridescence. Artists stretched the capacities of conventional media in attempts to capture its shifting hues, while others integrated iridescent materials directly into their work. At the same time, naturalists strove to convey the changing colors of these substances in printed texts, theologians and political commentators invoked them in tracts and treatises, and playwrights and poets wove them through the scripts of comedies and into the stanzas of sonnets. In Iridescence and the Image, Brendan C. McMahon explores this preoccupation with such materials—including shot fabric, hummingbird feathers, mother of pearl, and opals—in the early modern Spanish world. Taking the virtuosic renderings of tornasol (shot silk) by the Spanish painter Antonio de Pereda (1611–1678) as a point of departure, he shows that the ubiquity of these materials in a broad array of period cultural productions stemmed from the ways in which their unique properties undermined trust in visual perception—and in visual images themselves. Ultimately, McMahon argues, iridescence provided a way for people to grapple with profound questions about seeming and being, deception and revelation, and the nature of truth itself.

 

Angela Vanhaelen, Opacity. Blackness and the Art of the Dutch Republic, Penn State University Press, 2025, 204 p.

ARGUMENT : As Dutch merchants became drivers of the transatlantic slavery business in the seventeenth century, Dutch art increasingly used Blackness to signal slavery and servitude. In this brilliant and pathbreaking work, Angela Vanhaelen proposes new ways of looking at Dutch paintings that do not equate Blackness with enslavement. Vanhaelen reframes the conversation on Netherlandish art by placing seventeenth-century domestic scenes and portraits in dialogue with images of trading forts, markets, and plantations in West Africa and Brazil. She argues that Dutch paintings depicting enslaved Black Africans—for example, Frans Hals’s Family Group in a Landscape—not only obscure information about the institution of slavery but fail to capture the resistance and dissent of people who did not conform to the anti-Black world created by Dutch art. Opacity leads readers to grapple with difficult and complex questions: How do we reconcile images of peace and prosperity with the horror of the slave trade? How do we teach imagery of Black people as enslaved without reinforcing anti-Black racism? Can we interpret dehumanizing imagery in ways that consider the complexities of enslavement? Refusing to view Dutch pictures on their own terms, Opacity recognizes the historical persistence of non-sovereign positions, anticolonial settlements, non-patriarchal homeplaces, open-ended forms of religion and culture, as well as the possibilities of oppositional modes of world-making. This important, thought-provoking book will be essential reading for students and scholars of Black studies and early modern European art history as well as general readers looking for a fresh approach to Dutch art of the period.

 

Elisabeth Currie, Street Style. Art and Dress in the Time of Caravaggio, Chicago, The University of Chicago Press, 2025, 200 p.

ARGUMENT : In late sixteenth-century Rome, artists found inspiration in bustling streets and taverns, depicting soldiers, Romani fortune tellers, sex workers, and servants among the city’s poorest inhabitants. Street Style explores these hidden lives, uncovering how the stories of ordinary people are preserved through their clothing and appearances in art. Written records highlight the harsh conditions faced by marginalized groups, while prints and paintings often promoted visual stereotypes. With fresh interpretations of notable works by Caravaggio and his followers, this book reveals the complex social meanings of dress and the ways art captured and shaped the real-life struggles of early modern Italy’s lower classes.

 

Lucia Trigilia (dir.), L’altare barocco nella Sicilia iblea. Modelli architettonici, apparati, macchine sceniche, Rome, De Luca, 2025, 272 p.

ARGUMENT : L’altare può essere considerato metafora dei grandi temi rappresentativi della stagione barocca che pone al centro la meraviglia, capace di unificare insieme l’architettura, l’apparato artistico e quello teatrale. Per lo più studiato come elemento indipendente dal contesto, l’altare manifesta, se osservato nello spazio in cui è collocato, le capacità scenografiche, teatrali e illusionistiche degli artisti chiamati a definirne la struttura, banco di prova di un’azione corale che coinvolge le varie arti sotto la regia dell’architetto. In ambito siciliano il tema risulta poco esplorato, con un ruolo secondario rispetto all’architettura. L’area degli Iblei, a differenza di quanto è stata finora indagata, offre per la prima volta lo spaccato di una vasta produzione disvelando modelli architettonici, materiali, committenti e maestranze attive tra Seicento e Settecento in un’area geografica d’eccellenza, interessata da eventi sismici che hanno indotto vaste ricostruzioni e per tale ragione predisposta alla sperimentazione di strutture innovative.

 

Paola Setaro (dir.), Barocco italiano in terra di Spagna. Le opere della Purissima a Salamanca, Campisano, “Saggi di Storia dell’Arte”, 2025, 176 p.

ARGUMENT : Il volume riunisce i saggi di diversi studiosi che si sono interessati alle opere conservate nel complesso conventuale delle agostiniane di Salamanca, un vero e proprio scrigno di arte italiana trapiantata in territorio spagnolo. Il programma decorativo prevalentemente “italiano”, pianificato da Manuel de Fonseca y Zuñiga, VI conte di Monterrey, prima ambasciatore presso la Santa Sede dal 1628 al 1631 e poi viceré a Napoli fino al 1637, si configura come una delle più ricche testimonianze del dialogo artistico e culturale tra Italia e Spagna in età vicereale. Testi di Aurelio Musi, Massimo Pulini, Beatriz Calvo, Paola D’Agostino, Giuseppina Merola, José Vicente Quirante Rives. 

 

Victor Hundsbuckle, Dessins des Carrache : La fabrique de la galerie Farnèse, cat. expo. Louvre (5 novembre 2025-2 février 2026), Paris, Musée du Louvre- Liénard,  2025,  320 p.

ARGUMENT : Au coeur du palais Farnèse, siège de l’Ambassade de France en Italie, un décor passe depuis son achèvement au tout début des années 1600, pour être l’un des plus grands chefs-d’oeuvre de la peinture occidentale, une chapelle Sixtine pour le XVIIe siècle et le modèle de bien des décors à travers l’Europe entière durant presque trois cents ans. Il s’agit de la galerie peinte par Annibale Carracci, son frère Agostino et leurs élèves. Pour permettre d’en apprécier l’immense beauté, le musée du Louvre va en quelque sorte déplacer la Galerie Farnèse à Paris en la remontant « façon puzzle » à l’aide du plus extraordinaire ensemble jamais rassemblé de dessins préparatoires à ce décor. Car si la Galerie Farnèse a tant suscité l’admiration et tant inspiré les artistes – de la Galerie des Glaces de Versailles, au foyer de l’Opéra Garnier – c’est tout autant pour la beauté de ses fresques que pour celle de ses dessins préparatoires. Jamais auparavant, pour aucun autre décor, l’on n’avait conservé autant de dessins, du croquis rapide esquissant les toutes premières idées de l’artiste, au grand carton de plusieurs mètres de côté, où le dessin est mis à l’échelle de la fresque. L’ouvrage permet aussi de toucher du doigt la personnalité attachante de son maître d’oeuvre principal : Annibale. La Galerie Farnèse constitue à n’en pas douter son chef-d’oeuvre, son dernier grand oeuvre, un modèle pour la postérité et une occasion permanente d’émerveillement pour tous ceux qui en admirent les fresques et les dessins. Elle signe à la fois un accomplissement sans pareil et incarne une tragédie : celle d’un artiste jeune encore, conduit à l’épuisement, qui ne peindra plus après elle et s’éteindra à son achèvement.

 

O. Bonfait, G. Careri, F. Cousinié, V. Selbach, R. Thomas (dir.), Faire image au XVII^e siècle. Modèles et perspectives, Paris, éd. 1 : 1, 2025, 180 p.

ARGUMENT : Le discours sur l’art et les images est loin d’appartenir à la seule histoire de l’art. Cet ouvrage, suscité par des spécialistes de l’art du XVIIe siècle, rassemble les travaux de philosophes, d’historiens ou de littéraires qui travaillent sur l’image telle qu’elle est envisagée et questionnée, en dehors mais parfois en lien avec les savoirs, les concepts ou les méthodes de l’histoire de l’art. Quelles sont les catégories d’images étudiées par les différents chercheurs rassemblés ? Quelles questions posent-ils à l’image ? Avec quel outillage méthodologique ? Pour quelles visées ? En vue de quelles interprétations et de quelles conceptualisations ? En bref, que signifie “Faire image” au XVIIe siècle ? 

 

Javier Portús, Scénographie d’un chef-d’œuvre : Velázquez et la salle des Ménines au musée du Prado, F. Cousinié (trad.), Paris, 1 :1 (ars), 2025, 102 p.

ARGUMENT : Si nous menions aujourd’hui une enquête parmi les per­sonnes ayant connu le musée du Prado avant 1978 et de­mandions quels sont les souvenirs associés à leurs visites et quels espaces ont marqué leur mémoire, il est probable qu’aucun visiteur ne manquerait de mentionner la ” Salle des Ménines ” : le lieu où le tableau de Diego Velázquez (Séville, 1599-Madrid, 1660) était alors exposé de façon in­dépendante. […] Au sein du dispositif rhétorique et spatial qu’est le musée, la salle, dotée d’une identité singulière, n’a laissé personne indifférent. Cela n’est guère surprenant si nous considérons qu’il s’agit non seulement d’une œuvre très particulière de la collection, mais également d’un objet alors isolé de celle-ci. Le tableau s’inscrivait en effet au cœur d’un arrangement scénique invitant le spectateur à perce­voir la peinture dans des conditions différentes de celles qui prévalaient habituellement : le concept de “chef-d’œuvre” était, pour ainsi dire, “mis en scène” par le musée.

 

Jérémie Koering, Enquête sur les Ménines. Velazquez et le regard du roi, Arles, Acte sud, 2025, 188 p.

ARGUMENT : Les Ménines occupe une place particulière dans notre imaginaire artistique, qui tient aux mystères qui lui sont attachés : un mystère objectif, lié à notre méconnaissance du fonctionnement de la peinture du XVIIe siècle ; un mystère subjectif, puisque Velázquez a tout fait pour que le regardeur se sente concerné par ce qui se donne à voir ; un mystère réflexif, celui d’une toile retournée, qui garde obstinément le secret de son sujet. L’enquête historique menée par Jérémie Koering révèle les ressorts par lesquels le peintre transforme la représentation en véritable intrigue picturale.

 

Vladimir Nestorov, Peindre à Paris à l’aube du Grand Siècle, Paris, Arthéna, 2025, 408 p.

ARGUMENT : Entre le raffinement de l’école de Fontainebleau et le grand goût de Richelieu, la peinture française des années 1590-1620 fut long mal comprend par l’histoire de l’art. Jugée archaïque par son attachement au maniérisme, perçue comme étrangère car sensible aux talents venus d’Europe du Nord, elle fut souvent considérée comme un intermède laborieux à l’aube du Grand Siècle.
L’ouvrage de Vladimir Nestorov remet en cause cette vision et révèle la richesse artistique de la capitale française en pleine effervescence sous le règne d’Henri IV et la régence de Marie de Médicis. En parcourant les rues, en pénétrant dans les échoppes des peintres, sur les étals des foires, dans les petites églises paroissiales ou dans la grande cathédrale Notre-Dame, il nous fait entrevoir, à la lumière des découvertes récentes, les somptueux décors des palais du Louvre et des Tuileries ainsi qu’un monde extraordinaire diversité, jaloux de ses traditions mais creuset d’innovations, où se croisent des artistes venus de toute l’Europe.
Un dictionnaire des quelque trois cents peintres actifs à Paris pendant cette période de foisonnement complète cette étude et fait émerger, auprès des plus réputés (Dubreuil, Fréminet, Pourbus ou Varin), les artistes de moindre renom de cette production abondante.

 

L. Blanc-Bénon, N. Rialland (dir.), Jacqueline Lichtenstein. Une voie en philosophie de l’art, Paris, Sorbonne université presses, « philosophies », 2025, 500 p.

ARGUMENT : Lire face à une peinture. Se laisser happer par sa présence matérielle autant que par l’image qu’elle donne à voir. Puis, en philosophe, interroger cette expérience, cet échange silencieux entre l’œil et la toile. Telle est la démarche singulière de Jacqueline Lichtenstein (1947-2019), dont la pensée a profondément marqué la philosophie de l’art et l’histoire des théories esthétiques. De La Couleur éloquente à la Tache aveugle aux Raisons de l’art, son œuvre a mis en lumière l’importance du coloris face au dessin, le dialogue entre peinture et sculpture, ainsi que les discours qui façonnent notre regard sur l’art. Puisant aux sources des conférences de l’Académie Royale de peinture et de sculpture, elle a su articuler savoir théorique et savoir-faire artistique, renouvelant en profondeur notre compréhension des images.

Cet ouvrage lui rend hommage en réunissant des contributions critiques de philosophes et d’historiens de l’art inspirés par sa pensée. Il s’ouvre sur un inédit de Jacqueline Lichtenstein, consacré à la question du taux et de la copie en peinture, et se clôt sur la première traduction française d’un texte qu’elle affectionnait particulièrement : « Norme et forme » du grand historien de l’art Ernst H. Gombrich. Un recueil essentiel pour quiconque souhaite comprendre et prolonger l’héritage intellectuel d’une figure majeure de la pensée esthétique contemporaine.

 

Damien Tellas, Michel Dorigny, 1616-1665. Vouet en héritage, Paris, Arthéna, 2025, 416 p.

ARGUMENT : Indissociable du Premier peintre du roi Simon Vouet, dont il reproduisit en gravure plus de quatre-vingts oeuvres, Michel Dorigny (1616-1665) fut bien plus que son assistant. Après une formation chez Georges Lallemant, il entra dans l’atelier de Vouet en 1636 et devint son principal collaborateur avant de lui succéder en 1649. Son style aux compositions claires et monumentales, ponctuées de couleurs fortes s’en inspire mais révèle un artiste talentueux et novateur. Décorateur majeur du Paris de la régence d’Anne d’Autriche et des maisons royales, il mène les chantiers de plusieurs grands hôtels particuliers, notamment celui de Lauzun sur l’île Saint-Louis, dont le spectaculaire ensemble est encore en place. On lui doit également l’ornementation de plusieurs châteaux, comme celui de Colombes (plafond aujourd’hui à l’hôtel de ville du Port-Marly), et la réalisation de séries, les Muses ou l’Histoire de Diane. Il se voit confier les décors du palais Mazarin à Paris et, à l’apogée de sa carrière, ceux du pavillon de la Reine au château de Vincennes, son chef-d’œuvre. L’étude et le catalogue raisonné de Damien Tellas permettent de redécouvrir l’œuvre et la place éminente de ce peintre-graveur, véritable chef d’atelier pour la décoration de bâtiments parmi les plus prestigieux du Grand Siècle.

 

Frédéric Cousinié, Alterimages : Armoiries et Madonnelle du Baroque romain, Paris, Classiques Garnier, 2025, 328 p.

ARGUMENT : Les Alterimages sont des images autres, jouant sur les indistinctions catégorielles (architecture, peinture, sculpture, ornement, écriture), confondant matériaux, acteurs, pratiques et genres artistiques. Ce sont aussi des images alternatives, parfois critiques, dotées d’un pouvoir d’altération, voire de défiguration, à l’égard aussi bien de leurs lieux d’inscription que des valeurs idéologiques qu’elles sont censées promouvoir. Ce livre, centré sur la Rome baroque du XVII^e siècle, porte sur deux d’entre-elles, parfois dues aux mêmes artistes et se confrontant quelquefois sur de mêmes espaces. La première est celle de la production armoriale, associant l’écu central et ses ornements périphériques. Omniprésente dans l’art funéraire comme sur les façades des églises et des palais, elle participe d’une définition fondamentale de l’identité aristocratique et ecclésiastique.  La seconde s’attache aux édicules urbains généralement consacrés à la Vierge et nommés madonnelle en Italie. Intégrant éléments architecturaux, sculpturaux ou picturaux, ces objets manifestent l’investissement dévotionnel de communautés hétérogènes tout en contribuant à l’expression de micro-centralités urbaines tendant à s’émanciper du cadre institutionnel de l’Église. Sans négliger les aspects sociaux et religieux souvent intriqués, l’analyse s’attache à mettre au jour les opérations rhétoriques et poétiques inédites dont ces objets procèdent ainsi que leurs incidences formelles sur l’espace tant architectural qu’urbain où ils s’inscrivent. Chemin faisant nous croiserons, aux côtés de productions anonymes, les noms prestigieux des sculpteurs Gian Lorenzo Bernini, Antonio Raggi ou Alessandro Algardi, et des peintres Cherubino Alberti, Giovanni Luigi Valesio, Pietro da Cortona ou Domenico Maria Canuti.

 

Perrine Vigroux, Par la force de leur génie. Quinze parcours de femmes au sein de l’Académie royale de peinture et de sculpture 1663-1793, Rennes, PUR, 2025, 262 p.

ARGUMENT : Quinze femmes artistes furent admises au sein de l’Académie royale de peinture et de sculpture entre 1663 et 1793. Depuis la Renaissance, en Europe et en France, un petit nombre de femmes bénéficièrent d’une certaine renommée aussi bien nationale qu’internationale, dans les arts, la littérature et les sciences, ouvrant ainsi la voie à de nouveaux talents. Ces femmes étaient notamment encouragées par les thèses philosophiques de François Poulain de la Barre (1647-1723) qui leur permirent d’occuper une place de plus en plus privilégiée au sein des salons, ces petites réunions où savantes et artistes invitaient chez elles hommes et femmes pour discuter de littérature, de philosophie, d’art mais aussi de politique. Ces lieux très courus connurent un grand succès à la fin du XVIIe siècle et tout au long du XVIIIe siècle. La réception des premières femmes à l’Académie se fit dans ce climat tout à fait favorable aux femmes tant sur le plan social et culturel, que politique. Cette admission n’en resta pas moins précaire. Après l’entrée de Catherine Perrot, le 31 janvier 1682, il fallut attendre en effet près de quarante ans, soit le 26 octobre 1720, pour que soit à nouveau admise une peintre : Rosalba Carriera. Femmes de talent, femmes ambitieuses, les académiciennes réussirent à imposer une nouvelle vision de la femme peintre.

 

Luca Ceriotti, Cose che fanno miracoli. Il potere degli oggetti nell’immaginario benedettino della prima età moderna, Florence, Leo S. Olschki, 2025, 202 p.

ARGUMENT : Pur costretti dalla loro stessa immagine pubblica a una postura di asciutta razionalità, per tutto il corso dell’età moderna i monaci benedettini cassinesi si mostrarono profondamente fiduciosi non solo nella possibilità dei miracoli, ma anche nella capacità, posseduta da speciali oggetti, di favorirne il verificarsi. Ma quanto era radicata la credenza che taluni oggetti giocassero un ruolo primario nel provocare eventi prodigiosi? La presente ricerca prende in considerazione questo peculiare aspetto dell’esperienza religiosa maturata nella più grande formazione monastica dell’età moderna: la Congregazione benedettina cassinese.

 

Valerio Mezzolani, Adornate e incoronate. Le immagini mariane di Roma nella prima metà del Seicento, Rome, De Luca, 2025, 188 p.

ARGUMENT : Nel 1631, regnante Urbano VIII, l’incoronazione della miracolosa Madonna della Febbre nelle Grotte vaticane segnò l’inizio di un’affascinante vicenda da leggersi nel contesto dei grandi fatti culturali che ebbero per scenario Roma al tempo del pontificato Barberini. Durante i decenni successivi, il Capitolo di San Pietro incoronò decine di immagini mariane nelle grandi e piccole chiese dell’Urbe, facendo seguito al legato testamentario del conte Alessandro Sforza di Borgonovo, colui che diede a questa pratica i crismi dell’ufficialità. Dopo la Madonna della Febbre, egli selezionò insigni icone di natura eterogenea, venerabili tavole di tradizione lucana come la Madonna del Popolo e opere d’arte come la Pietà vaticana di Michelangelo, accanto a dipinti d’origine più modestamente votiva, come la Madonna dei Monti nel santuario ad essa dedicato e la Madonna della Consolazione presso l’omonimo ospedale. La varietà delle immagini scelte dal conte di Borgonovo e la conseguente uniformazione simbolica sotto il segno della corona, nel quadro della cultura postridentina, rilevano una sostanziale adesione ideologica al lungo programma di regolamentazione scaturito dalla Controriforma. L’intenso processo di rinnovamento di chiese e altari di prima metà Seicento modificò profondamente il rapporto tra pubblico e immagine, permettendo la trasmissione e talvolta il ripensamento di modelli e tradizioni antiche in un’epoca che ormai si percepiva moderna. La collocazione della Madonna detta Salus Populi Romani nella nuova cappella Paolina di Santa Maria Maggiore, i progetti di Rubens per la Madonna della Vallicella, l’intervento di Bernini per la tribuna di Santa Maria in Via Lata sono solo alcune pagine memorabili di una storia articolata, in cui adornamento e incoronazione delle immagini mariane possono essere interpretati anche come strumenti di lettura e comprensione della complessa geografia, insieme artistica e devozionale, di Roma.

 

Lionel Arsac (dir.), Louis XIV par Le Bernin. Le génie et la majesté, cat. expo., Versailles (3 juin-28 septembre 2025, Milan, SilvanaEditoriale, 120 p.

ARGUMENT : 1665. Louis XIV est l’arbitre de l’Europe. Au service des papes, Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin, est l’artiste le plus illustre de son temps. Au terme d’intenses tractations, Le Bernin quitte Rome pour Paris où, accueilli comme un prince, il séjourne du 2 juin au 20 octobre. Venu pour bâtir la cour Carrée du Louvre, Le Bernin reçoit également du roi la commande de son portrait en marbre. L’artiste se met alors à l’ouvrage avec passion. L’atelier devient un spectacle où défile la Cour, tandis que les séances de pose rapprochent le jeune monarque épris de gloire et le sculpteur au sommet de son art. Le buste sera leur œuvre commune : Le Bernin l’a considéré comme son meilleur portrait, Louis XIV l’a gardé toujours près de lui, au Louvre puis à Versailles. Consacré au buste de Louis XIV par Le Bernin, cet ouvrage retrace la genèse et la réception de ce chef-d’œuvre absolu de l’art baroque, fruit du génie et de la majesté.

 

Francesca Cappelletti, Francesco Freddolini (dir.), Barocco globale. Il mondo a Roma nel secolo di Bernini, cat. expo., Rome, 2025, 360 p.

ARGUMENT : Il catalogo accompagna la mostra allestita a Roma, presso le Scuderie del Quirinale, dal 4 aprile al 13 luglio 2025. Delle pagine del volume, riccamente illustrato, e dalle opere in mostra emerge l’articolata realtà storica e artistica dell’età barocca a Roma, che la vede connessa a un contesto globale ampio, oltre i confini europei: dalle Americhe all’Africa e all’Asia. E’ il contesto in cui Gian Lorenzo Bernini, con la Fontana dei Fiumi, dà una forma tangibile ai rapporti che legavano Roma al mondo conosciuto. Con quest’opera cardinale per lo sviluppo della cultura artistica dell’Occidente, evocata in mostra da spettacolari bozzetti, il mondo si portava al centro di Roma, e Roma al centro del mondo. Al capolavoro di Bernini, cui viene dedicato un focus, nella seconda parte del catalogo si aggiunge lo studio di una selezione di altri lavori che conducono il lettore in un viaggio dalle ampie prospettive interpretative, tra religione, potere, letteratura e arti del tempo. Nel ricco apparato iconografico spiccano le molte mappe che disegnano il mondo di allora, ma il catalogo dà conto soprattutto della variegata scelta delle opere in mostra, tra cui dipinti, sculture e paramenti sacri realizzati con piume e tessuti. Testimonianze di un momento storico in cui cosmopolitismo e transculturalismo erano tratti salienti del tessuto sociale e politico della città.

 

Emanuele Gambuti, Altari, Cripte, Confessiones. Architettura e liturgia neil Seicento romano,  Rome, Campisano, 2025, 416 p.

ARGUMENT : Lo studio delle relazioni tra architettura sacra e liturgia, filone di ricerca ormai consolidato per i contesti paleocristiani e medievali, viene qui esteso ad un’epoca, il XVII secolo, che vede nella città di Roma l’espressione di alcuni dei punti più alti dell’architettura occidentale. Le soluzioni formali sviluppate tanto dai grandi maestri del Barocco quanto da artefici del tutto anonimi nel rinnovo delle antiche basiliche romane vengono qui poste in relazione con il rito e la devozione eucaristica e martiriale. Partendo dai prototipi tardo-cinquecenteschi si ridefiniscono infatti i rapporti tra le singole componenti dell’architettura ecclesiastica: gli altari, le cripte e le confessiones esplicano le nuove prassi, le istanze di riforma, la continuità con la tradizione che la Chiesa pone in atto, dopo il Concilio di Trento e per tutto il Seicento, in una costante dialettica tra novità dell’invenzione architettonica e conservazione di un’antichità cristiana fatta di culti e di riti, oltre che di resti materiali.

 

Vittoria Brunetti, Lorenzo Ottoni e il sistema della scultura a Roma tra fine Seicento e primo Settecento, Rome, L’Erma di Bretschneider, 2025, 370 p.

ARGUMENT : Lorenzo Ottoni (1648-1736) si colloca a buon diritto tra i protagonisti della scultura romana a cavallo tra XVII e XVIII secolo: educato nelle botteghe di Antonio Giorgetti ed Ercole Ferrata, mosse i primi passi come artista autonomo al servizio della famiglia Barberini e, all’indomani della morte di Gian Lorenzo Bernini e dei suoi diretti collaboratori, venne definito dal direttore dell’Accademia di Francia a Roma «le meilleur sculpteur de Rome après Domenico Guidi». Nel corso degli anni ottanta sviluppò un personale approccio alla scultura di ritratto per poi affiancare, nei due decenni successivi, alla prolifica produzione in stucco la partecipazione a imprese monumentali di tipo corale. Dal secondo decennio del nuovo secolo lavorò principalmente come decoratore a stucco in San Pietro, guadagnandosi il ‘titolo’ di «Basilicae Vaticanae sculptor». Questi i punti salienti della sua lunga carriera, quasi un sessantennio di attività durante la quale assunse il ruolo di testimone, talvolta attivo, talaltra passivo di un mondo in cambiamento, traghettando la scultura romana dalla morte di Bernini al primo Settecento. Il volume, che costituisce il primo catalogo ragionato dello scultore, dotato di un’ampia appendice documentaria, ne ricostruisce la posizione – stilistica e storica – nell’agone del sistema delle arti romano, offrendo uno sguardo dall’interno su una delle più prolifiche botteghe del periodo e sui meccanismi per ottenere successo nella Roma del tempo.

 

Susanna Berger, The Deformation: Attention and Discernment in Catholic Reformation Art and Architecture, Princeton University Press, 2025, 336 p.

ARGUMENT : During the Catholic Reformation, patrons, artists, architects, and viewers, especially in Rome, were strongly drawn to visual and spatial distortions or “deformations”—works of art and architecture that were designed to be visually incomprehensible, at least initially. From Borromini’s San Carlo alle Quattro Fontane in Rome to the attention-grabbing prospettiva in the city’s Palazzo Spada and the anamorphoses that define the corridors and walls of Minim and Jesuit buildings, The Deformation explores what this intriguing phenomenon reveals about contemporary religious belief, optics, and the natural sciences, as well as wider questions about attention and discernment.
Failing to conform to an established ideal, deformations required a “reformation” to achieve that ideal. Anamorphic deformations, for example, could only be reformed into clarity when viewed from a particular angle or through a special mirror. Susanna Berger examines how deformations were experienced by beholders, and how they were embraced or opposed by critics. The book shows how deformations and related works—whether altar tabernacles, ephemeral religious architecture, churches, monumental sundials, colonnades with accelerated perspective, illusionistic frescoes, turned ivories, or painted anamorphoses—focused observers’ attention on theological mysteries and the social power and sophistication of patrons. The book’s rich illustrations include two gatefolds and some anamorphic images that can be seen without distortion by using an included reflective insert as a mirror.
Looking at writings as well as visual works in multiple artistic media not typically considered in relation to each other, The Deformation offers a new interpretation of deformation that highlights the delay between perception and discernment.

 

E. A. Honig, J. Noorman, T. Weststeijn, Women: Female Roles in Art and Society of the Netherlands, 1500–1950, Leyde, Brill, 2025.

ARGUMENT : Long overdue in the history of the Netherlands Yearbook for History of Art, this volume foregrounds women as creators, patrons, buyers, and agents of change in the arts of the Low Countries. Venturing beyond the participation of ‘exceptional’ individuals, chapters investigate how women produced paintings, sculptures, scientific illustrations, and tapestries as well as their role in architectural patronage and personalized art collections. Teasing out a variety of socio-economic, legal, institutional, and art-theoretical dimensions of female agency, the volume highlights the role of visual culture in women’s lived experience and self-representation, asking to what extent women challenged, subverted, or confirmed societal norms in the Netherlands.

 

Julia Vazquez, Velázquez, Painter & Curator, Leyde, Brill, 2025,

ARGUMENT : This book is the first to address the curatorial career of Diego Velázquez, painter to King Philip IV of Spain and chamberlain of his royal palace. It investigates the role that Velázquez played in overseeing the display of the Habsburg art collection, then the richest in the western world, and the role, in turn, that this practice played in his creative trajectory between his arrival at the Spanish court in 1623 and his death in 1660. This book thus recasts Velázquez’s career as an episode in the history of the curator.

 

Stefania Tullio Cataldo, Vasari et la France. Primauté culturelle et réception des Vite aux XVIe et XVIIe siècles, Genève, Droz, 2025, 536, p.

ARGUMENT : Les Vite, texte italien fondateur de l’histoire de l’art en Europe, constituèrent en France, aux XVIe et XVIIe siècles, une référence incontournable pour tous les auteurs de récits historico-artistiques, par le genre littéraire dont elles relèvent, leur structure narrative, les modalités de leur récit et leur paradigme historique. L’auteure démontre que les relations complexes, et souvent contradictoires, avec cette source s’articulent en trois temps bien distincts, dont la succession s’explique par les bouleversements culturels et politiques que connut la France du Grand Siècle. Le « monument éternel » des Vite, selon l’heureuse définition de Roger de Piles (1699), fut traduit et imité avec admiration, lu et cité avec méfiance ou âprement contesté. En arrière-plan, se profilent des enjeux sociétaux et identitaires majeurs, avec l’affirmation progressive d’une identité culturelle tout à fait autonome par rapport au modèle italien.

 

Leendert van der Miesen, Marin Mersenne and the Study of Harmony. From Sound to Music, Amsterdam University Press, 2025, 362 p.

ARGUMENT : Marin Mersenne and the Study of Harmony delves into the central role of music among the early modern sciences by focusing on the work of the French polymath Marin Mersenne (1588–1648). Although now regarded more as an art than a science, music was for many early modern scholars a universal science for studying the harmonies present in all beings. For Mersenne, music’s ability to be quantified while being experienced aesthetically meant that it was the central science to approximate the sounding and inaudible harmonies present in the world and universe at large. Bringing together Mersenne’s interests in the physics of sound and hearing, musical composition, instruments, curiosities, and music from outside Europe, this book shows why so many scholars were drawn to music and how music was at the center of the early modern debate on the foundations of knowledge.

 

Marco Faini (éd.), Doubting Women in Early Modern Italy. Gender, Uncertainty, and Agency, Amsterdam University Press, 2025, 180 p.

ARGUMENT : This book explores early modern Italian women as agents of doubt. While women were often considered prone to doubt as a result of their natural “weakness,” the essays gathered here reverse this view, demonstrating how women were able to embrace doubt as a means to expand their agency. Using doubt to contest both official narratives as well as religious and civil practices, women were able to carve out a space of their own in contemporary culture and society. The volume covers a period from the late fifteenth to the mid seventeenth centuries, offering critical insight into early modern doubt and investigating how doubt, like other categories of thought, could be gendered. Contributors address the topics of doubt and the Querelle des Femmes, religion, writing, and social networks. The volume offers a multidisciplinary approach to early modern doubt, combining gender studies with religious history, the history of literature, social history, and the history of science.

 

Richard Neer, Painting as a Way of Life. Philosophy and Practice in French Art, 1620–1660, Chicago, The Chicago University Press, 2025.

ARGUMENT : In this wide-ranging study, Richard Neer shows how French painters of the seventeenth century developed radically new ways to connect art, perception, and ethics. Cutting across traditional boundaries of classicism and realism, Neer addresses four case studies: Nicolas Poussin, renowned for marrying ancient philosophy and narrative painting; Louise Moillon, who pioneered French still life in the 1630s; Georges de La Tour, a painter of intense and introspective nocturnes; and the Brothers Le Nain, specialists in genre and portraiture who inspired Courbet, Manet, and other painters of modern life. Setting these artists in dialogue with Montaigne, Descartes, Pascal, and others, ranging from the studios of Rome to the streets of Paris, this book provides fresh accounts of essential artworks—some well-known, others neglected—and new ways to approach the relation of art, theory, and daily life. 

 

Johann Michel, Lire les images. Herméneutique de l’art, Paris, PUF, 2025, 336 p.

ARGUMENT : Comment comprendre une œuvre d’art ? Peut-on lire une image en art comme on lit un texte ? Qu’est-ce qui distingue une image artistique des autres catégories d’images ?  L’interprétation méthodologique des textes (littéraires, religieux, juridiques) est restée relativement silencieuse sur la compréhension des arts visuels. C’est pour combler ce vide relatif qu’est né le projet de ce livre. Il s’agit d’interroger la textualité des images en art. La confrontation entre le texte et l’image n’a rien de gratuit quand on sait l’importance des textes classiques, placés en position d’autorité, dans la production de tout un pan de l’art occidental. La confrontation n’a rien d’inutile quand on sait que poésie et peinture ont longtemps été rassemblées comme des « arts frères ». L’enjeu qui traverse cette réflexion est toutefois de savoir si l’image peut se réduire à sa seule lisibilité, au risque de perdre sa visibilité.

 

Mathieu Frèrejouan, Halluciner. Histoire et philosophie de la perception « sans objet », Paris, Ithaque, 2025, 320 p.

ARGUMENT : L’hallucination est un des mystères les plus fascinants de la vie des sens : comment peut-on percevoir quelque chose là où il n’y a rien ? Une interrogation surgit aussitôt : et si l’hallucination révélait, négativement et paradoxalement, la nature cachée de la perception ? Et si, paradoxe ultime, la perception n’était qu’une hallucination qui « réussit » ? Mathieu Frèrejouan poursuit ici une double enquête. Il raconte tout d’abord comment le terme d’hallucination, depuis le 18e siècle, a changé de sens et de valeur, entre médecine de l’œil, du cerveau et de l’esprit. Car, à côté des hallucinations effrayantes du grand alcoolique poursuivi par des rats, ou celles du psychotique qui entend ses « voix », il y a l’immense foule des bizarreries auxquelles l’halluciné ne croit pas, ou pas autant, bien qu’il les perçoive : « mouches volantes » de l’ophtalmologue, visions sous mescaline, apparitions « lilliputiennes », etc. Or cette histoire apporte un matériau original à un débat qui fait rage en philosophie : comment distinguer une hallucination d’une perception ? Ce débat a connu des développements décisifs dans la « philosophie du langage ordinaire » (avec Austin). Savons-nous bien, en effet, ce que nous voulons dire quand nous parlons de « voir », ou du « réel », ou de l’illusoire, du familier et de l’étrange ? Peut-on invoquer des cas pathologiques pour éclairer des situations banales ? Et, pour halluciner au sens strict, ne faut-il pas aussi délirer ? L’hallucination, perception « sans objet » ? Mathieu Frèrejouan déjoue les pièges que recèle cette formule consacrée en psychiatrie, dans un dialogue étonnant auxquels prennent part Edvard Munch, un obscur psychiatre russe halluciné, cousin de Kandinsky, Esquirol et Wittgenstein, les premiers spectateurs effrayés du cinématographe des frères Lumière, divers lecteurs de Condillac, et d’austères philosophes analytiques qui hallucinent des lapins roses.

 

Cours d’architecture […] de M. de la Hyre (v. 1714). De la conception à l’exécution, Hélène Rousteau-Chambon (éd.), Paris, Classiques Garnier, « Histoire de la construction », 2025, 437 p.

ARGUMENT : Le Cours d’architecture dispensé par Philippe de La Hire au début du XVIII^e siècle, et demeuré à l’état de manuscrit, est le premier manuel français d’architecture. La construction y occupe une place centrale. Ce texte innovant fait l’objet ici de sa première analyse critique générale.

SOMMAIRE : Préface : Philippe de La Hire – La science et l’art, la théorie et la pratique… ou le maillon et la médiation ; Introduction ; Biographie ; Principes d’édition ; Cours d’architecture ; Remerciements ; Annexes ; Bibliographie, Index.

 

Jacques Rancière, L’expérience esthétique, Marseille, NOUS, 2025, 72 p.

Ce dialogue avec Bernard Aspe donne à Jacques Rancière l’occasion de revenir sur les enjeux fondamentaux de son long travail d’éclaircissement du « partage » qui lie art et politique. Ce petit livre poursuit et actualise sa réflexion sur la question du sensible en tant qu’expérience d’un monde commun, sur le communisme des artistes, sur les effets de l’art comme « critique » ou comme « résistance ». « L’entretien qu’on lira constitue en même temps la suite du Partage du sensible et la synthèse de ce qu’il m’est possible de dire aujourd’hui sur le cœur esthétique de la politique » [Jacques Rancière].

Jacques Rancière, né en 1940, il est l’un des philosophes vivants les plus lus, traduits et commentés. Il est l’auteur de plus d’une trentaine de livres, dont La nuit des prolétaires, Le maître ignorant, La mésentente, Le partage du sensible, Aisthesis et Les voyages de l’art.

 

Todd P. Olson, Ribera’s Repetitions. Paper and Canvas in Seventeenth-Century Spanish Naples, Penn State University Press, 2025, 264 p.

ARGUMENT : The seventeenth-century Valencian artist Jusepe de Ribera spent most of his career in Spanish Viceregal Naples, where he was known as “Lo Spagnoletto,” or “the Little Spaniard.” Working under the patronage of Spanish viceroys, Ribera held a special position bridging two worlds. In Ribera’s Repetitions, art historian Todd P. Olson sheds new light on the complexity of Ribera’s artwork and artistic methods and their connections to the Spanish imperial project. Drawing from a diverse range of sources, including poetry, literature, natural history, philosophy, and political history, Olson presents Ribera’s work in a broad context. He examines how Ribera’s techniques, including rotation, material decay (through etching), and repetition, influenced the artist’s drawings and paintings. Many of Ribera’s works featured scenes of physical suffering—from Saint Jerome’s corroded skin and the flayed bodies of Saint Bartholomew and Marsyas to the ragged beggar-philosophers and the eviscerated Tityus. But far from being the result of an individual sadistic predilection, Olson argues, Ribera’s art was inflected by the legacies of the Reconquest of Spain and Neapolitan coloniality. Ribera’s material processes and themes were not hermetically sealed in the studio; rather, they were engaged in the global Spanish Empire. Pathbreaking and deeply interdisciplinary, this copiously illustrated book offers art history students and scholars a means to see Ribera’s art anew.

 

 

Contentin Dury (dir.), Dans l’Atelier de Guido Reni, cat. expo. (Orléans, musée des beaux-arts, 30/11/2024-30-03-2025), Silvana, 2024, 216 p.

ARGUMENT : Guido Reni est l’un des peintres les plus convoités du XVIIe siècle. Mais, entre Paris et Rome, l’artiste n’est pas seul : à l’époque, l’atelier est un lieu de collaboration. Jusqu’à 200 personnes, venant de toute l’Europe, auraient travaillé avec le maître bolonais. Pour la première fois, une exposition explore autant les tableaux que la réalité de cette bottega. Qu’est ce qui fait un original ? L’œuvre d’art est-elle unique ? Comment l’artiste décline-t-il ses œuvres dans le temps ? Autant de questions affrontées en analysant la production et la vie des peintres de l’entreprise Reni, parfois marquée par les explosions de colère du maître, ou ses dettes immenses. Au cœur de la réflexion, une iconographie : David contemplant la tête de Goliath. Si ce chef-d’œuvre du peintre marque durablement l’histoire de l’art occidental, son histoire reste complexe. Le dossier s’est récemment élargi avec la redécouverte de la version du musée des Beaux-Arts d’Orléans, longtemps considérée comme une copie ! Chef-d’œuvre du maître, ce tableau ajoute un nouveau chapitre à l’intérêt de l’artiste pour ce sujet traité tant de fois durant sa carrière. Toutes les versions connues de Guido Reni ou de l’un de ses collaborateurs sont ici reconsidérées ensemble.

 

Collectif, Nicolas Poussin et la Grande Galerie du Louvre, Paris, Faton, 2025, 216 p.

ARGUMENT : Dans le cadre de l’ouverture du nouveau musée du Grand Siècle, prévue en 2026, une journée d’études a été organisée autour de Nicolas Poussin et de la plus monumentale de ses œuvres : le décor de la Grande Galerie du Louvre. Ces actes de colloque illustrent la collaboration entre le monde universitaire et celui des musées en proposant une synthèse des études sur les décors de Galerie et plus particulièrement sur celui de la Grande Galerie du Louvre en abordant différents axes de recherches (histoire, conception, construction, appel à Poussin…) puis en les mettant en perspective. Les auteurs se sont appuyés sur une multitude de sources : lettres et dessins de Poussin, témoignages contemporains, reconstitution de la Grande Galerie, dessins de ses collaborateurs…

 

 

 

Lesley Stevenson, Louise Moillon, Los Angeles, Getty Publications, 2025, 112 p.

ARGUMENT : The life and career of Louise Moillon (1609/10–1696) offers a fascinating case study of a supremely talented artist whose posthumous reputation has been mired in invisibility. Born and raised in Paris, Moillon was the sole woman in a circle of Calvinist Protestant émigrés who brought their tradition of still-life painting with them from Flanders. During her lifetime, she was able to enjoy a degree of professional independence and attract enough recognition to be regarded as on a level with her male counterparts, yet her exquisite work and enigmatic story are little known today. This illustrated biography examines some of the ways in which Moillon’s story has been represented since the revival of interest in her work and draws on recent scholarship to situate the painter in her rightful place. Offering a sweeping exploration of the genre of still life, this book also chronicles how a woman in early modern France was able to capture the attention of the artistic world while dissecting why her prominence waned in the centuries following her death. 

 

Emilio Russo, Patrizia Tosini, Andrea Zezza (dir.), Poesia e pittura nel Seicento. Giovan Battista Marino e la « meravigliosa » passione, cat. expo. (Rome, Galleria Borghese, 19 novembre 2024-9 février 2025), Rome, Officina Libraria-Galleria Borghese, 2024, 296 p.

ARGUMENT : Dopo la stagione dei grandi pittori del Rinascimento, il prestigio delle arti figurative cresce come mai prima nella storia; nel corso del Cinquecento l’artista passa dall’essere un comune artigiano a ricoprire uno status pari a quello dei maggiori intellettuali del suo tempo. L’inscindibile rapporto tra poesia e pittura si consolida nel Seicento, e diviene stretto, vicendevole, persino competitivo quando artisti e letterati si confrontano con i medesimi temi sull’agone delle arti. In questa cornice gioca un ruolo fondamentale la poesia di Giovan Battista Marino (1569-1625), i cui componimenti vivono di scambi continui con la pittura e la scultura contemporanei. La sua produzione poetica è ricca di suggestioni visive, derivate tanto dal contatto diretto con le collezioni d’arte visitate nel corso della sua vita itinerante, quanto dalla memoria delle immagini dei grandi artisti del passato, a partire dalla Galeria (1620), che proietta sulle pareti di un’immaginaria galleria i nomi degli artisti e le opere d’arte che hanno segnato l’esperienza cortigiana del poeta, pur non tralasciando i numerosi rapporti figurativi dell’Adone (1623) e della Strage de gl’innocenti (1632). Seguendo la traccia offerta dai testi di Marino (1569-1625), la mostra e il catalogo disegnano in cinque sezioni tematiche un percorso attraverso la grande arte da Tiziano a Tintoretto, da Correggio ai Carracci, da Rubens a Poussin, celebrando il più grande poeta italiano del Seicento e la sua “meravigliosa” passione per la pittura grazie a prestiti provenienti dai principali musei di tutto il mondo. Il volume è arricchito anche da un’antologia di testi mariniani in dialogo con le opere in mostra, oltre che da numerose tavole a colori.

 

Julia Castiglione, L’œil expert. Juger la peinture dans la Rome moderne (1580-1630), Rome, Collections de l’Ecole Française de Rome, 2024, 328 p.

ARGUMENT : Juger les tableaux – évaluer leur qualité, estimer leur prix – relève de nos jours d’une expertise spécifique, aux mains d’acteurs lesquels se tournent les salles de ventes, les musées ou les propriétaires de collections. Mais cela n’a pas toujours été le cas. À Rome, au XVIII^e siècle, cette compétence fait en effet l’objet d’une farouche concurrence entre différents groupes qui s’affrontent notamment en vue d’accéder au statut de conseiller à la cour des grands collectionneurs. Alors qu’émerge progressivement un marché des tableaux et que la circulation des œuvres s’amplifie, savoir mesurer leur valeur devient une qualité essentielle. Si l’évaluation du prix est traditionnellement un rôle dévolu aux peintres, qui s’estiment les uns les autres au sein de leur corporation, l’émergence de critères commerciaux nouveaux tend à saper l’autorité de la profession en matière de jugement. Cet ouvrage s’intéresse au processus de captation de cette expertise, qui se détache du savoir-faire des peintres au profit de courtisans spécialisés dans le conseil en matière de peinture. À la croisée de l’histoire, de l’histoire de l’art et de la littérature, il vient analyser, à travers l’exemple romain, la manière dont le jugement artistique s’est formalisé dans l’histoire, en s’éloignant de la pratique pour reconfigurer les critères de valeur et d’appréciation des œuvres d’art.

 

Stella Rudolph, Simonetta Prosperi Valenti Rodino, Carlo Maratti (1625-1713). Tra la magnificenza del Barocco e il sogno d’Arcadia. Dipinti e disegni, Rome, Ugo Bozzi, 2025, 1260 p.

Il noto pittore Carlo Maratti (1625-1713), attivo a Roma per più di 60 anni, raggiunse una grande fama in vita, conteso da papi, cardinali, mecenati, collezionisti, milord venuti in Italia per il Grand tour e regnanti di tutt’Europa. In seguito a quattro anni di intenso lavoro, la Redazione della Ugo Bozzi Editore è lieta di annunciare la pubblicazione in due volumi della tanto attesa monografia sull’artista, curata dalle due maggiori esperte sull’argomento, Stella Rudolph per i dipinti e Simonetta Prosperi Valenti Rodinò per i disegni. Il lavoro di Stella Rudolph, nota studiosa inglese scomparsa nel maggio 2020, che ha dedicato 30 anni a questo progetto senza riuscire a completarlo è stato ultimato e aggiornato da Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, cui si deve la catalogazione dei disegni afferenti ai dipinti e la redazione di ulteriori sezioni sull’attività di Maratti come progettista di statue, oggetti di argenteria, ritratti e caricature, illustrate da disegni di grande qualità esecutiva.

 

Genevieve Warwick, The Mirror of Art. Painting and Reflection in Early Moderne Visual Culture, The Cambridge University Press, 2024, 440 p.

ARGUMENT : One of the key pictorial developments of Renaissance art was a conceptualisation of painting as a mirror reflection of the visible world. The idea of painting as specular was argued in Renaissance art theory, demonstrated in art practice, and represented in painting itself. Both within the artist’s workshop and within pictorial representation, the mirror-image became the instrument, the emblem, and the conceptual definition of what a painting was. In this volume, Genevieve Warwick brings a dual focus to the topic through an exploration of the early modern elision of the picture plane with the mirror – image. She considers the specular configuration of Renaissance painting from various thematic points of view to offer a fully interdisciplinary analysis of the mirror analogy that pervaded not only art theory and art-making, but also the larger cultural spheres of philosophy, letters, and scientific observation. Warwick’s volume recasts our understanding of the inter-visual relationships between disciplines, and their consequences for a specular definition of Renaissance painting.

 

Marie-Laure de Rochebrune (dir.), Un grand amateur à l’époque des Lumières, Ange Laurent de La Live de Jully (1725-1779), Paris, Lienart, 2024, 488 p.

ARGUMENT : Ange Laurent de La Live de Jully fut l’une des figures les plus brillantes et les plus attachantes du monde des grands amateurs français de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Mécène et ami des artistes de son temps, collectionneur, graveur, musicien et historien, il fut élu, très jeune, membre honoraire ou associé libre de l’Académie royale de peinture et de sculpture, en raison de la qualité des collections qu’il avait réunies et aussi de ses capacités artistiques. Avec le concours des meilleurs spécialistes, cet ouvrage a pour ambition d’embrasser l’ensemble des collections de ce « dénicheur de talents » dans des domaines très divers – peintures, arts graphiques, sculptures, mobilier et objets d’art, livres, coquilles, instruments de musique… –, collections qui constituent autant de témoignages de son immense curiosité, de son ouverture d’esprit et de sa générosité envers les artistes. Il met également en lumière les milieux familial et intellectuel si stimulants dans lesquels il a baigné et qui expliquent, à bien des égards, la formation de son goût si raffiné et de son extrême sensibilité artistique.

 

Laurent Cuvelier, La ville captivée. Affichage et publicité au XVIIIᵉ siècle, Paris, Flammarion, « Le présent de l’Histoire », 2024, 384 pages.

ARGUMENT : Au XVIIIᵉ siècle, les murs de Paris se couvrent d’affiches. Celles-ci publient les lois et les règlements, annoncent les spectacles et les décès, proposent des marchandises à acheter et des emplois à pourvoir, diffusent les nouvelles et les rumeurs, moquent les autorités, défendent ou détruisent les réputations. Elles attirent la curiosité des passants et la méfiance du pouvoir. Pendant la Révolution, ces imprimés éphémères jouent un rôle essentiel dans la production et la contestation du nouvel ordre politique, au point de fasciner les contemporains. Ils révèlent les dynamiques d’une ville captivée par les logiques commerciales du capitalisme et par un flux d’informations en constant mouvement. Historien de la ville et des médias, Laurent Cuvelier plonge au cœur d’archives inédites pour reconstituer le panorama visuel d’une cité en pleine mutation. Il montre que la profusion des affiches, loin d’être un simple objet de curiosité, a fait du Paris des Lumières puis de la Révolution un véritable laboratoire de la modernité urbaine.

 

Elisabeth Lusset, Isabelle Heullant-Donat (dir.), Une vie en boîte. Cellules de religieuses et maquettes de couvent (XVIII^e-XXI^e siècle), Paris, éditions de la Sorbonne, « Hommes et Société », 2024.

ARGUMENT : Du XVIIIe siècle aux années 1960, des milliers de religieuses en Europe ont fabriqué des modèles réduits de leur cellule et de leur couvent dans des boîtes vitrées, des œufs, des coquillages ou des coques de noix. Elles s’y représentaient en miniature, sous la forme de poupées de cire, de silhouettes de papier et de photographies, au travail ou en prière, entourées des objets de leur quotidien minutieusement reconstitué. Elles les offraient à leur famille et à leurs bienfaiteurs, afin de donner à voir leur vie à l’abri des murs du couvent. Si ces petites cellules ont suscité l’intérêt des ethnographes, des collectionneurs et des artistes, comme le poète provençal Frédéric Mistral ou la plasticienne Léna Vandrey, elles ont été peu étudiées, alors même que leur confection était très répandue au XIXe siècle. À la croisée de l’histoire des femmes, du travail, de la culture matérielle et de l’enfermement monastique, ce livre analyse plus de cinq cents de ces « boîtes de nonnes ». Il dissèque ces objets méconnus, les réinscrit dans leurs contextes de production et examine enfin leurs circulations depuis les monastères jusqu’aux musées et aux collections privées, en passant par les familles des religieuses. Il invite à scruter ces mondes miniatures, et à en percer les mystères, sans en épuiser le pouvoir de fascination.

 

David Pullins, The Mobile Image from Watteau to Boucher, Los Angeles, The Getty research Institute, 2024.

ARGUMENT : Reframing long-held assumptions about what distinguishes fine from decorative art, this innovative study explores a mode of making, seeing, and thinking that slices across eighteenth-century visual culture.This book provides a new way of thinking about eighteenth-century French art and visual culture by prioritizing production over reception. Abandoning the ideologically driven discourse that distinguished fine from decorative art between the 1690s and 1770s, The Mobile Image reveals how the two have been inextricably bound from the earliest stages of artistic instruction through the daily life of painters’ workshops. In this study, author David Pullins defines artisanal and artistic means of learning, seeing, and making through a system of “mobile images”: motifs that were effectively engineered for mobility and designed never to be definitive, always awaiting replication and circulation. He examines the careers of Antoine Watteau, Jean-Baptiste Oudry, and François Boucher, situating them against a much broader cast of actors—such as printmakers, publishers, anonymous studio assistants, and architects, among others—to place eighteenth-century painting within a wider context of media and making. David Pullins is Jayne Wrightsman Curator at the Metropolitan Museum of Art, where he is responsible for seventeenth-and eighteenth-century French, Italian, and Spanish painting. 

 

Sarah A. Bendall, Serena Dyer (dir.), Embodied Experiences of Making in Early Modern Europe. Bodies, Gender, and Material Culture, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024.

ARGUMENT : Processes of making in early modern Europe were both tacit and embodied. Whether making pottery, food, or textiles, the processes of manual production rested on an intersensory connection between mind, body, and object. This volume focuses on the body of the maker to ask how processes of making, experimenting, experiencing, and reconstructing illuminate early modern assumptions and understandings around manual labour and material life. Answers can be gleaned through both recapturing past skills and knowledge of making and by reconstructing past bodies and bodily experiences using recreative and experimental approaches. In drawing attention to the body, this collection underlines the importance of embodied knowledge and sensory experiences associated with the making practices of historically marginalised groups, such as craftspeople, women, domestic servants, and those who were colonised, to confront biases in the written archive. The history of making is found not only in technological and economic innovations which drove ‘progress’ but also in the hands, minds, and creations of makers themselves.

 

Barbara Laux, Claude III Audran, Arbiter of the French Arabesque, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024, 252 p.

ARGUMENT : Claude III Audran, Arbiter of the French Arabesque is the first substantial biographical study of Claude III Audran, a late 17th- and early 18th-century master of ornament and a proponent of cutting-edge design who took inspiration from contemporary sources. This work investigates Audran’s accomplishments and the factors that impacted the longevity and arc of his successful career, taking into consideration the contextual variables that influenced and shaped his work. Audran’s achievements bridge an important period with the eclipse of the Guild Maîtrise and the rise of the Académie royale. Audran subcontracted young artists, such as Watteau, Lancret, and Desportes, in order to circumvent restrictions on guild practice enacted by the crown. Looking at his commissions not only reveals the elite taste of his patrons, including Louis XIV, but also Audran’s ability to use elements from popular culture to animate his arabesques, which created hallmarks of rococo interior design.

 

Alessandro Angelini, Arte di corte nell’Europa del Seicento. Velázquez, Bernini, Poussin, Rome, Carocci, Frecce, 2024.

ARGUMENT : Impostato con taglio diacronico a più tappe incentrate su tre delle massime personalità del Seicento – Velázquez, Bernini, Poussin –, il libro sviluppa il tema della grande fortuna e poi del declino del modello artistico italiano, che si registra nel volgere di pochi decenni. A questo argomento si aggiunge il rapporto fra produzione artistica di corte, con il suo carico di efficaci messaggi visivi, e strategie politiche, nel periodo più drammatico attraversato dall’Europa della prima età moderna con la guerra dei Trent’anni. I grandi maestri, ammirati e ricercati, furono protagonisti ma anche strumento di ambiziosi progetti che mutarono sensibilmente l’assetto del Continente alla metà del secolo, fino al pieno affermarsi dell’assolutismo monarchico. Anche il dibattito storiografico del tempo, segnato di volta in volta dalla celebrazione e dalla critica rivolta ai grandi maestri, a partire dalla polemica tra antichi e moderni, risentì dei diversi orientamenti estetici e politici, fino a esserne assai condizionato.

 

Giorgio Agamben, Goût. Le savoir du plaisir, le plaisir du savoir, trad. P. Bellomo, Paris, Asinamali, 2024, 77 p.

ARGUMENT : L’habitude veut que le goût soit le sens par lequel nous connaissons la beauté et jouissons des belles choses. Derrière l’imperturbabilité apparente de cet adage, Agamben met à nu l’ampleur, tout sauf rassurante, d’une fracture qui divise sans appel le sujet.
À la jonction entre l’acte de connaissance et l’expérience du plaisir, entre la recherche d’une vérité et la jouissance du beau, le goût semble être lié à un savoir que l’on ne sait pas et à un plaisir dont on ne jouit pas. Dans la nouvelle perspective tant esthétique qu’économique ouverte par Agamben, se dessine une complicité inquiétante entre homo æstheticus et homo œconomicus et prend forme, dans toute sa fragilité, la question fondamentale de la théorie de la connaissance : qui est le sujet du savoir ? Qui sait ?
Il en ressort aussi, et ce par l’entremise d’Éros, une ode à la philosophie, dans laquelle l’« amour du savoir » ne peut qu’être aussi un « savoir d’amour », où le goût scelle l’enchevêtrement irrévocable de connaissance et plaisir, de savoir et jouissance.

 

Maxime Cartron, « Au seuil d’une présence nue ». Phénoménologies baroques, Genève, Droz, « Courant critique », 2024, 136 p.

ARGUMENT : S’il y a de prime abord quelque paradoxe à apparier baroque et phénoménologie, l’étude des rapports qu’entretiennent cette catégorie esthétique et cette pensée philosophique révèle cependant de riches implications historiographiques et idéologiques.Le sous-titre du présent ouvrage interroge d’emblée : on peut en effet se demander quel lien peut bien exister entre la phénoménologie et le baroque, entre cette pensée philosophique et cette catégorie esthétique. Ce rapprochement s’avère pourtant crucial pour saisir les raisons profondes ayant poussé les historiens de l’art et les historiens de la littérature à développer le concept de baroque. En partant de Wölfflin et Eugenio d’Ors pour aboutir à Marcel Raymond et Jean Rousset ainsi qu’à leurs relations étroites avec Yves Bonnefoy, on s’avise des riches articulations herméneutiques, historiographiques et idéologiques de l’approche phénoménologique du baroque. SOMMAIRE. Introduction. Chapitre I : « La vie qui continue, qui s’engendre en nous et autour de nous sans cesse » « L’apparence de la perpétuelle métamorphose » « Le sentiment de la réalité vivante » « Le flux et le reflux » « Le fond des choses » « Un monde sans figure » « La désacralisation de l’univers » « La texture sensible des formes ». Chap.  II. : « Palpitant comme un organisme vivant » « La morphologie de la nature » « Le retour du passé sur le présent » « L’absence et la présence ». Chap. III. « Le lieu de l’existence incarnée » « Habitée par une présence secrète » « En multipliant mes puissances d’extase sensible ». Conclusion.

 

Laura Moure Cecchini, Baroquemania. Italian visual culture and the construction of national identity, 1898-1945, Manchester, Manchester University Press, 2023, 288 p.

ARGUMENT : Baroquemania explores the intersections of art, architecture and criticism to show how reimagining the Baroque helped craft a distinctively Italian approach to modern art. Offering a bold reassessment of post-unification visual culture, the book examines a wide variety of media and ideologically charged discourses on the Baroque, both inside and outside the academy. Key episodes in the modern afterlife of the Baroque are addressed, notably the Decadentist interpretation of Gianlorenzo Bernini, the 1911 universal fairs in Turin and Rome, Roberto Longhi’s historically grounded view of Futurism, architectural projects in Fascist Rome and the interwar reception of Adolfo Wildt and Lucio Fontana’s sculpture. Featuring a wealth of visual materials, Baroquemania offers a fresh look at a central aspect of Italy’s modern art.

 

Jean-Baptiste Brenet, Le Dehors dedans. Averroès en peinture, Paris, Macula, « Patte d’oie », 2024, 480 p.

ARGUMENT : Pendant deux cent cinquante ans, entre le XIV^e et le XVI^e siècle, on a peint en Italie des Triomphe de Thomas d’Aquin qui représentent le théologien chrétien en chaire, majestueux, dominant le même adversaire assis ou étendu à ses pieds. Enturbanné, barbu, cet homme vaincu est Averroès, le grand commentateur arabe d’Aristote. Que fait-il là ? Quel est le sens de cette figuration, a priori négative, qui se répète à travers les âges ? C’est à quoi ce livre veut répondre, en proposant de « lire » ces peintures d’un autre œil : non pas en spécialiste de l’art, mais en historien de la philosophie, soucieux du dossier théorique ayant opposé les deux personnages et leurs épigones (les annexes contiennent la traduction inédite de textes majeurs de la querelle). Deux choses ressortent, dans un renversement : que ces œuvres de propagande travestissent la réalité du rapport complexe d’héritage et de relance que la scolastique puis la pensée « européenne » auront entretenu avec la pensée arabe ; qu’elles se trahissent, pourtant, laissant voir ce qu’elles entendaient recouvrir. Dedans, et non pas dehors, Averroès, songeur, est un motif inattendu : le véritable « sujet » de tous ces Triomphe.

Jean-Baptiste Brenet est médiéviste, professeur de philosophie arabe à l’Université Paris 1- Panthéon Sorbonne. Il est spécialiste de l’œuvre d’Averroès (Ibn Rushd) et de son legs au monde latin. Traducteur de l’arabe et du latin, il a publié une vingtaine d’ouvrages, parmi lesquels : Averroès l’inquiétant, Paris, Les Belles Lettres, 2015 ; Je fantasme, Lagrasse, Verdier, 2017 ; Que veut dire penser ? Arabes et Latins, Paris, Payot et Rivages, 2022.

 

Marisa Anne Bass, The Monument’s End : Public and the Modern Republic, Princeton, Princeton University Press, 2024, 280 p.

ARGUMENT : Monuments occupy a controversial place in nations founded on principles of freedom and self-governance. It is no accident that when we think of monuments, we think of statues modeled on legacies of conquest, domination, and violence. The Monument’s End reveals how the artists, architects, poets, and scholars of the early modern Netherlands contended with the profound disconnect between the public monument and the ideals of republican government. Their experiences offer vital lessons about the making, reception, and destruction of monuments in the present. In the seventeenth century, the newly formed Dutch Republic dominated world trade and colonized vast overseas territories even as it sought to shed the trappings of its imperial past. Marisa Anne Bass describes the frustrated attempts by figures such as Rembrandt van Rijn and playwright and poet Joost van den Vondel to reimagine public memory for their emergent nation. She shows how the most celebrated age of Dutch art was more an age of bronze than of gold, one in which the pursuit of freedom from domination was constantly challenged by the commercial ambitions of empire. Exploring how the artists and intellectuals of this vibrant century asked questions that still resonate today, this beautifully illustrated book discusses works by contemporary artists such as Spencer Finch and Thomas Hirschhorn and offers new perspectives on monuments like the 9/11 Memorial and Museum and events such as the Unite the Right rally in Charlottesville.

 

Peter Hecht, Listening to what you see. Selected contributions on Dutch art, Chicago, The University of Chicago Press, 2024 326 p.

ARGUMENT : Listening to What You See brings together more than twenty-five scholarly essays, reviews, and shorter contributions by Peter Hecht, preceded by an introduction on what he thinks his life in art history has taught him. The title indicates what his collected papers have in common: together they represent an attitude of listening to what you see. Hecht is very suspicious of applying a method and believes that looking at an image until it speaks is essential to understanding it. Apart from a few scholarly reviews, Listening to What You See also contains a sample of Hecht’s writings for the public at large, and some of his best-known critical papers are included here. It covers a range of different topics, including defending public art collections, showing what art can mean in times of crisis when it is not accessible (as was the case when Covid forced the museums to shut down), and talking about what art may do for us–provided that we listen.

 

Judith Noorman, Feike Dietz (dir.), Objects, Commodities and Material Cultures in the Dutch Republic. Exploring Early Modern Materiality Across Disciplines, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024.

ARGUMENT : How did objects move between places and people, and how did they reshape the Republic’s arts, cultures and sciences? ‘Objects’ were vitally significant for the early modern Dutch Republic, which is known as an early consumer society, a place famous for its exhaustive production of books, visual arts and scientific instruments. What happens when we push these objects and their materiality to the centre of our research? How do they invite us to develop new perspectives on the early modern Dutch Republic? And how do they contest the boundaries of the academic disciplines that have traditionally organized our scholarship? In Objects, Commodities and Material Cultures, the interdisciplinary community of specialists around the Amsterdam Centre for the Study of Early Modernity innovatively explores the diverse early modern world of objects. Its contributors take a single object or commodity as a point of departure to study and discuss various aspects of early modern art, culture and history: from natural objects to consumer goods, from knowledge instruments to artistic materials. The volume aims to unravel how objects have moved through regions, cultures and ages, and how objects impacted people who lived and worked in the Dutch Republic.

 

Catherine Levesque, Jacob van Ruisdael’s Ecological Landscape, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024, 236 p.

ARGUMENT : This book examines Jacob van Ruisdael’s treatment of five subjects—dunes, grainfields, ruins, rushing water, and woodlands—that recur throughout his career. The paintings, though fictive, show close attention to the complexities of particular environments that can be fruitfully considered “ecological.” The pattern of Ruisdael’s reworking each environment and associated phenomena shows him as laboring over these themes. His work across media conveys something of his demanding and methodical procedure as he sought to achieve pictorially the force, temporality, vitality, and motion of nature. Ruisdael’s paintings decenter humankind within familiar yet reimagined landscapes. His ability to depict nature’s dynamism provided an alternative vision at a foundational moment when landscape, increasingly manipulated and controlled, was most often considered property and investment. His focus on the techniques and processes of his own work to render these entities was essential to his ecological perspective and invites a similar recognition from an attentive viewer.

 

Gemma Cobo Delgado, Imágenes de la infancia, Madrid, Cátedra, « Arte Grande temas », 2024, 464 p.

ARGUMENT : ¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.

 

José Popicarpo Cruz Cabrera, David García Cueto (dir.), El despliegue artístico en la Monarquía Hispánica (siglos XVI-XVIII). Contextos y perspectivas, Granada, Editorial Universidad de Granada, 2024, 244 p.

ARGUMENT : Los vínculos de las obras de arte con los ámbitos interiores para los que fueron creadas, importantes en cualquier época, ofrecen especial relevancia en la Edad Moderna, bajo el amplio abanico de manifestaciones culturales propio de los territorios de la Monarquía Hispánica. Esta forma de interpretación ha tenido amplio desarrollo más allá de la historiografía española bajo la terminología inglesa Display of Art, que de forma aproximativa podría traducirse como «Despliegue Artístico». Por tanto, este volumen viene en parte a dar solución a este déficit historiográfico, de la mano del proyecto Displaymonarch y a través de las diferentes aportaciones de sus miembros. Un ramillete de aportaciones, en definitiva, orientado a estudiar las interrelaciones entre objetos artísticos y decorativos con los espacios arquitectónicos a la luz de la mentalidad, los usos sociales, la etiqueta, la valoración artística y el protocolo de la Edad Moderna, tanto entre los antiguos territorios hispánicos como en otros ámbitos en interacción cultural con los mismos.

 

Lázaro Gila Medina, Juan Antonio Sáchez López, Pedro de Mena (1628-1688). Un singular escultor andaluz del pleno Barroco español, Granada, Editorial Universidad de Granada, 2024, 316 p.

ARGUMENT : Artista único, Pedro de Mena y Medrano (1628-1688) marcó una huella imborrable en la escultura barroca española alejada de cualquier artífice anterior. Su realismo, unido a la dulce conmoción emocional y un profundo sentido de la espiritualidad, abrieron las puertas hacia un nuevo estilo cuya herencia aún no se ha apagado. En este volumen, Lazaro Gila Medina y Juan Antonio Sánchez López, como si de una talla de madera noble se tratara, vuelven de nuevo a construir una monografía profunda y actualizada sobre el escultor granadino-malagueño. Con un rigor académico impecable y un lenguaje preciso e incisivo, los autores abordan una amplia selección de temas que abarcan desde el contexto artístico que influyó en la vida de Mena hasta su biografía, creaciones, azares o su maestría técnica. Y todo ello, apoyado en una amplia selección de imágenes que sumergen al lector en el universo artístico de una figura clave como Mena. El resultado, un recorrido basado en el análisis de su obra, la alusión constante a los documentos y nuevas atribuciones que salen a la luz en estas páginas. Una publicación que busca erigirse como la obra de referencia inexcusable para entender la vida, obra e imagen de un artista genial e irrepetible.

 

Adam Jasienzki, Praying to Portraits. Audience, Identity, and the Inquisition in the Early Modern Hispanic World, University Park, Penn State University Press, 2024, 232 p.

ARGUMENT : In Praying to Portraits, art historian Adam Jasienski examines the history, meaning, and cultural significance of a crucial image type in the early modern Hispanic world: the sacred portrait. Across early modern Spain and Latin America, people prayed to portraits. They prayed to “true” effigies of saints, to simple portraits that were repainted as devotional objects, and even to images of living sitters depicted as holy figures. Jasienski places these difficult-to-classify image types within their historical context. He shows that rather than being harbingers of secular modernity and autonomous selfhood, portraits were privileged sites for mediating an individual’s relationship to the divine. Using Inquisition records, hagiographies, art-theoretical treatises, poems, and plays, Jasienski convincingly demonstrates that portraiture was at the very center of broader debates about the status of images in Spain and its colonies. Highly original and persuasive, Praying to Portraits profoundly revises our understanding of early modern portraiture. It will intrigue art historians across geographical boundaries, and it will also find an audience among scholars of architecture, history, and religion in the early modern Hispanic world.

 

Mary B. Quinn, Sense and Spectacle in the Age of Philip IV. Performing in Word, Music, and Image, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024, 212 p.

ARGUMENT : This book accounts for the outpouring of celebrations in the Habsburg Empire upon the 1657 birth of Felipe Próspero, heir to Philip IV of Spain. These celebrations allow us to interrogate the shifting uses of performance in the empire’s center and periphery. Such spectacles could work to contain and manipulate public sentiment, but at other moments they questioned sanctioned power structures. A study of zarzuela texts, opera libretti, notated music, paintings, poems, and historical documents shows that an array of people took advantage of this festive moment to question the empire’s policies in surprising ways. Sensorial experience played a crucial role during these celebrations. For its part, the Crown engaged a variety of senses, especially sight, sound, and smell, in order to augment the impact of royal spectacles. But simultaneously, those who questioned the Crown also did so through an engagement of the sensorial world.

 

Miguel Ibánez Aristondo, Ecological Imperialism in Early Modern Spanish Narratives. Excavating the Environmental Conflicts of the Iberian Globalization, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024, 236 p.

ARGUMENT : How are the environmental conflicts of our time intertwined with the legacies of Spanish imperialism and early modern globalization? In Ecological Imperialism in Early Modern Spanish Narratives: Excavating the Environmental Conflicts of the Iberian Globalization, Miguel Ibáñez Aristondo argues that to understand the historical ramifications of the ecological crisis, it is imperative to excavate the fragmented histories and entangled viewpoints associated with European imperialism. Drawing on early modern Iberian, Indigenous, and European sources, the book interrogates how early modern debates regarding war, free trade, abundance, property, race, sovereignty, and history were deeply entwined within ideas and theories driving the relationship between humans and the environment. By exploring the conflict-ridden experiences arising from Spanish imperialism, the book argues that ecological crises have given rise to divergent visions and social hierarchies over time, driven by environmental conflicts opposing social justice and collective life to capital accumulation and imperial competition.

 

Mónica Domínguez Torres, Pearls for the Crown. Art, Nature, and Race in the Age of Spanish Expansion, University Park, Penn State University Press, 2024, 218 p.

ARGUMENT : In the age of European expansion, pearls became potent symbols of imperial supremacy. Pearls for the Crown demonstrates how European art legitimated racialized hierarchies and inequitable notions about humanity and nature that still hold sway today. When Christopher Columbus encountered pristine pearl beds in southern Caribbean waters in 1498, he procured the first source of New World wealth for the Spanish Crown, but he also established an alternative path to an industry that had remained outside European control for centuries. Centering her study on a selection of key artworks tied to the pearl industry, Mónica Domínguez Torres examines the interplay of materiality, labor, race, and power that drove artistic production in the early modern period. Spanish colonizers exploited the expertise and forced labor of Native American and African workers to establish pearling centers along the coasts of South and Central America, disrupting the environmental and demographic dynamics of their overseas territories. Drawing from postcolonial theory, material culture studies, and ecocriticism, Domínguez Torres demonstrates how, through use of the pearl, European courtly art articulated ideas about imperial expansion, European superiority, and control over nature, all of which played key roles in the political circles surrounding the Spanish Crown.This highly anticipated interdisciplinary study will be welcomed by scholars of art history, the history of colonial Latin America, and ecocriticism in the context of the Spanish colonies.

 

Anne-Marie Cheny, Le cercle des byzantinistes. Comment bibliothécaires, savants et voyageurs inventèrent Byzance (XVI^e-XIX^e siècle), Paris, Les Belles Lettres, 2024.

ARGUMENT : Une fois un domaine de recherche installé, la question de sa naissance s’efface comme s’il était là depuis toujours. Pourtant, il y a souvent dans les premiers moments de la découverte, matière à épopée. Ce que nous appelons « les études byzantines », c’est-à-dire l’étude de la langue, de l’histoire, de l’art et de la civilisation de l’Empire romain d’Orient durant les douze siècles de son existence (330-1453) ont ceci de particulier qu’elles sont nées sans qu’on les cherche. Aux XVIe et XVIIe siècles, l’attrait pour la Grèce antique est vif. Les voyages vers l’Orient se multiplient. De nombreux savants, avides de compléter leurs connaissances et leurs bibliothèques, missionnent tout un réseau d’aventuriers pour partir en quête de manuscrits. Religieux, diplomates, marchands, érudits, libertins, capitaines de navires parcourent l’Empire ottoman à la recherche de manuscrits grecs antiques. Mais leur méconnaissance de la langue grecque les conduit, heureuse méprise, à rapporter des textes grecs médiévaux : les textes byzantins. Partis à la recherche de la Grèce classique, ils ont rencontré le Moyen Âge grec et la civilisation byzantine. C’est l’histoire de ces bibliothécaires passionnés et philologues irascibles, de ces papes et cardinaux, de ces princes, de ces copistes et de leurs intermédiaires grecs oubliés, de tous ces chercheurs de manuscrits en quête d’un savoir qu’ils allaient finalement constituer que nous raconte Anne-Marie Cheny.

 

Jean de Gombauld, Endymion, édition critique par Florence Dumora, Paris, Honoré Champion, 2024, 390 p.

ARGUMENT : Endymion endormi est aimé de la Lune dans une grotte du mont Latmos. C’est cette fable ténue du paganisme que Gombauld, poète de cour et dramaturge, futur Académicien et protestant fervent, transforme en 1624 en un récit d’une belle étrangeté, Endymion, oublié des histoires littéraires. La première édition critique de ce livre quatre cents ans plus tard, orné des dix-sept gravures de Crispijn de Passe, affronte les énigmes : incertitudes de la biographie, mystère du lien du petit volume à deux reines, Marie de Médicis et Anne d’Autriche, interprétation de la figure d’Endymion à l’âge baroque de la vie comme songe, inspirée du dernier mythographe de la Renaissance, Natale Conti, et inspirant à son tour Nicolas Poussin, curieux comme lui des sacrifices de l’Antiquité. Enfin mystère que ce récit qui, bien avant la naissance du fantastique, s’enroule sur lui-même et devient, d’une éclipse de lune à l’autre, l’aventure d’un homme qui dort, ou l’Aurélia du XVII^e siècle.

 

Sylvain-Karl Gosselet, Louis XIV européen. Le discours des images, Champ Vallon, « Epoques », 2024, 428 p.

ARGUMENT : Louis XIV, que l’on disait « arbitre de l’Europe », s’est-il, ou a-t-il été, imaginé dans une position plus éminente encore, à la tête du continent par exemple ? Les arts sont plus instructifs que les textes à ce sujet. Ils ont encore beaucoup à nous apprendre sur le Roi-Soleil à propos duquel on pourrait penser, à tort, que tout a déjà été dit et écrit. Ainsi, Louis XIV et l’Europe, souvent représentée sous la forme allégorique d’une reine, formèrent-ils dans les arts un duo symbolique particulièrement expressif. Cette association permit une mise en majesté de Louis XIV comme aucun autre monarque, de sa naissance à sa mort, dans ses palais comme dans les images populaires, de Marseille à Versailles, révélant finalement la figure d’un « Louis XIV européen » surpuissant, en images.

 

Stanis Perez, Le corps des femmes. Mille ans de fantasmes et de violences – XI^e-XXI^e siècles, Paris, Perrin, 2024, 432 p.

ARGUMENT : Si de nombreuses études paraissent autour de l’histoire des femmes, le corps féminin n’est que rarement mis au premier plan. Or, depuis le Moyen Âge, on observe une tension spécifique autour de cet « objet » de désir devenant aussi, dans bien des cas, la cible de violences multiples. Mais la longue et douloureuse épopée de ce corps, à la fois convoité et exploité, n’a jamais été racontée. La grande synthèse que signe Stanis Perez a justement cette ambition : observer, au sein de la civilisation occidentale, la construction de modèles et de pratiques sociales et sociétales en se focalisant sur un corps condamné au fantasme et à l’aliénation, voué à l’idéalisation et à la répression. Toutefois, contrairement à ce que l’on pourrait croire, celui-ci n’a pas toujours été enfermé – à l’instigation des hommes – dans des normes imposant principalement la douceur, la passivité et la soumission. La trajectoire a été bien plus complexe et les formes de résistance à ce modèle ont été nombreuses : des saintes martyres au Moyen Âge à Théroigne de Méricourt à la Révolution en passant par Jeanne d’Arc au XV^e siècle ; des anarchistes émancipées au XIX^e siècle aux actuelles féministes révoltées en passant par les « femmes fatales » du cinéma des années 1960. Du corps féminin poussé dans ses extrêmes, il restait donc à parler en historien. C’est désormais chose faite avec cet ouvrage qui entend raconter la façon dont il a traversé les siècles, depuis l’époque des croisades jusqu’à nos jours. Une synthèse indispensable.

 

Francesca Cappelletti, Le Belle. Ritratti femminilli nelle stanze del potere, Mondadori, « Le Scie », 2024.

ARGUMENT : Nella seconda metà del Seicento, nei più importanti palazzi nobiliari, intere stanze erano destinate a ospitare i ritratti delle «donne famose» del tempo, quasi a catalogarle. Dame contemporanee, influenti personaggi di corte o bellezze leggendarie la cui fama si diffondeva velocemente fra i circoli dell’aristocrazia europea. Mogli di principi o future madri di cardinali, anelli fondamentali di alleanze politiche e pedine insostituibili di complesse strategie familiari. Personaggi celebri per la loro bellezza, spesso all’origine di passioni incoercibili e di eventi drammatici. Queste tele, note come «le Belle», popolavano le maggiori collezioni italiane ed europee. Una moda che aveva precedenti illustri e che Francesca Cappelletti racconta con appassionata ammirazione e competenza in queste pagine. Un affascinante viaggio che ci accompagna nelle camere dedicate ai ritratti femminili della cinquecentesca collezione Farnese, o in quella del cardinale Pietro Aldobrandini, nipote di Clemente VIII, passando per le «Stanze delle Veneri», allestimenti fra il mitologico e il licenzioso in cui erano esposti capolavori della pittura rinascimentale raffiguranti le dee e le eroine delle favole antiche, in un tributo non solo a Venere, dea dell’amore, ma anche alle grazie delle protagoniste, spesso sfortunate, dei miti ovidiani.La presenza in questa storia di alcune straordinarie figure catalizzatrici, come per esempio Clelia Farnese, Lavinia Fontana o Maria Mancini, è un ulteriore invito a riflettere «sulle metamorfosi del ritratto femminile, ma anche sul ruolo di alcune donne, sulla loro capacità di mettere in scena se stesse, di creare un personaggio in grado di autorappresentarsi e di generare forme di ritratto». Avvicinandosi ai loro volti fino a sfiorarli, Francesca Cappelletti ne disvela passioni, paure e speranze, ma soprattutto offre una nuova prospettiva per indagare il ruolo della donna nella storia.

 

Christopher R. Marshall, Artemisia Gentileschi and the Business of Art, Princeton, Princeton University Press, 2024, 312 p.

ARGUMENT : Art has long been viewed as a calling—a quasi-religious vocation that drives artists to seek answers to humanity’s deepest questions. Yet the art world is a risky, competitive business that requires artists to make strategic decisions, especially if the artist is a woman. In Artemisia Gentileschi and the Business of Art, Christopher Marshall presents a new account of the life, work, and legacy of the Italian Baroque painter, revealing how she built a successful four-decade career in a male-dominated field—and how her business acumen has even influenced the resurrection of her reputation today, when she has been transformed from a footnote of art history to a globally famous artist and feminist icon. Combining the most recent research with detailed analyses of newly attributed paintings, the book highlights the business considerations behind Gentileschi’s development of a trademark style as she marketed herself to the public across a range of Italian artistic centers. The disguised self-portraits in her early Florentine paintings are reevaluated as an effort to make a celebrity brand of her own image. And, challenging the common perception that Gentileschi’s only masterpieces are her early Caravaggesque paintings, the book emphasizes the importance of her neglected late Neapolitan works, which are reinterpreted as innovative responses to the conventional practices of Baroque workshops. Artemisia Gentileschi and the Business of Art shows that Gentileschi’s remarkable success as a painter was due not only to her enormous talent but also to her ability to respond creatively to the continuously evolving trends and challenges of the Italian Baroque art world.

 

Felipe Pereda, The Man Who Broke Michelangelo’s Nose, Penn State University Press, 2024, 288 p.

ARGUMENT : Renaissance sculptor Pietro Torrigiano has long held a place in the public imagination as the man who broke Michelangelo’s nose. Indeed, he is known more for that story than for his impressive prowess as an artist. This engagingly written and deeply researched study by Felipe Pereda, a leading expert in the field, teases apart legend and history and reconstructs Torrigiano’s work as an artist. Torrigiano was, in fact, one of the most fascinating characters of the sixteenth century. After fighting in the Italian wars under Cesare Borgia, the Florentine artist traveled across four countries, working for such patrons as Margaret of Austria in the Netherlands and the Tudors in England. Toriggiano later went to Spain, where he died in prison, accused of heresy by the Inquisition for breaking a sculpture of the Virgin and Child that he had made with his own hands. In the course of his travels, Torrigiano played a crucial role in the dissemination of the style and the techniques that he learned in Florence, and he interacted with local artisanal traditions and craftsmen, developing a singular terracotta modeling technique that is both a response to the authority of Michelangelo and a unique testimony to artists’ mobility in the period. As Pereda shows, Torrigiano’s life and work constitute an ideal example to rethink the geography of Renaissance art, challenging us to reconsider the model that still sees the Renaissance as expanding from an Italian center into the western periphery.

 

Frédérique Aït-Touati, Théâtre du monde. Fabrique de la nature en Occident, Paris, La Découverte, « Terrains Philosophiques », 2024.

ARGUEMENT : Une machine organisant l’intégralité des savoirs, une île entièrement contrôlée par les techniques humaines, une théorie expliquant tout ce qui semble incompréhensible : les inventions des premiers modernes sont des tentatives de totalisation, des dispositifs matériels ou spéculatifs pour tenter de saisir ce qui nous échappe – les puissances de la nature, la multiplicité des êtres. Mettre le monde au creux de sa main, dans sa pensée ou sur une scène sont des manières de ramener l’immense à notre mesure. Confrontés à un monde qui n’a plus ni bornes ni centre, les philosophes, artistes et savants du XVIIe siècle inventent des petits théâtres pour échapper au vertige. Dans des lieux imaginaires ou réels, ils fabriquent la ” nature ” – cette singulière conception d’une scène séparée de la scène humaine, peuplée de forces incontrôlables qu’il faut apprivoiser, imiter, voire maîtriser pour pouvoir ensuite les mettre au service des puissants. C’est là que s’invente en partie l’étrange cosmologie des modernes. En observant l’intrication étroite entre les scènes esthétiques, scientifiques et politiques au tournant du XVIe et du XVIIe siècle, cette enquête envisage la rupture de la modernité occidentale et son épuisement à partir de quelques-uns de ses lieux et artefacts. La Terre reste insaisissable sans les outils, organon, images, scènes et récits que nous ne cessons de fabriquer. On peut aujourd’hui tenter de les réinterpréter, non comme les responsables de nos dérives anthropocéniques, mais comme des petits mondes clos pour tenter d’habiter le chaos du monde.

 

David Armando, Marcella Campanelli, Pasquale Palmieri (dir.), I meraviglioso in età moderna. Dimensioni culturali, scientifiche e religiose, Rome, Viella, 2024, 194 p.

ARGUMENT : Nonostante numerosi tentativi di codificazione culturale e controllo istituzionale, la definizione del meraviglioso è rimasta molto fluida nel corso dell’età moderna. I dettami e gli orientamenti delle autorità si sono trovati infatti a interagire con forme creative di naturalismo, di “interesse” per la natura, o di interazione con la natura. Sono stati di volta in volta i filosofi, i romanzieri, i drammaturghi, i collezionisti, gli incantatori, gli impostori, i predicatori e i devoti a far proprie le immagini di mostri, pietre preziose, tesori nascosti, rimedi taumaturgici per accendere le passioni del pubblico o per stimolare dibattiti. Il volume indaga le iniziative di questi soggetti, tenendo conto degli intrecci fra il piano giuridico, politico, scientifico, culturale, quello religioso e quello più propriamente mediatico-propagandistico.

 

Claudia Goldstein, Beuckelaer and the Art of Dining. Northern Painting, Food, and Social Class in Early Modern Italy, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2024, 188 p.

ARGUMENT : Sixteenth-century Flemish painter Joachim Beuckelaer produced dozens of large-scale paintings of contemporary working women and men selling, presenting, and preparing a visually stunning array of foodstuffs for the viewer. These were new subjects in Antwerp and even newer in Italy, where elite merchants and nobles like Margaret of Parma displayed them as they were meant to be displayed: in dining rooms and spaces used for entertaining. This study explores the cross-cultural meanings of Beuckelaer’s distinctly Northern European kitchen and market scenes in the context of North Italian dining and food culture. Examining the functions of Beuckelaer’s strange and new subject matter, Goldstein situates his paintings and those of his closest Italian follower, Vincenzo Campi, in the physical space of the dining room, addressing dining practice and the class and gender tensions inherent in a setting that placed both elite and non-elite viewers before life-sized renderings of their employees, and themselves.

 

Grégory Delaplace, La voix des fantômes. Quand débordent les morts, Paris, Seuil , « La couleur des idées », 2024, 270 p.

ARGUMENT : Nous nous plaisons à imaginer que les humains ont inventé les rituels funéraires pour arrêter d’oublier ; nous nous plaisons même à imaginer que c’est ce geste qui a fondé l’humanité et la culture. Et si les morts avaient toujours été déjà là ? Et si l’humanité était née hantée ? Les pratiques funéraires auraient alors été élaborées par d’habiles médiums pour contenir le débordement des revenants. En menant une anthropologie inédite des fantômes, Grégory Delaplace montre quels genres d’êtres et quels genres d’interlocuteurs les défunts sont invités à devenir. Il rend compte des situations toujours plus ou moins incongrues dans lesquelles ceux-ci échappent aux cadres prévus pour les accueillir. C’est aussi que la détérioration de la planète les ayant fait proliférer, les spectres permettent de penser la catastrophe. On découvrira combien les ancêtres sont des fantômes mis au pas, des morts à qui les vivants ont appris à vivre, enfin. Anthropologue, Grégory Delaplace est directeur d’études à l’École pratique des hautes études. Médaille de bronze du CNRS (2015), il a codirigé la revue L’Homme (2020-2024) et a publié Les Intelligences particulières. Enquête dans les maisons hantées (Vues de l’esprit, 2021).

 

Émilie Chedeville, Un Sacro Monte à Paris. Le Calvaire du Mont-Valérien au XVII^e  siècle, Paris, éd. 1 : 1, “ars”, 2024, 114 p.

ARGUMENT : La tradition des montagnes saintes, théâtres de grands événements qui en font des lieux hautement symboliques incarnant dans une efficace topographique un poids historique, est renouvelée au Mont-Valérien au début du XVII^e siècle grâce à un effort de narration, de figuration de l’histoire, ici déterminante pour le salut du genre humain, puisqu’il s’agit de la Passion du Christ. Le Calvaire du Mont- Valérien est en cela l’héritier des sacri monti piémontais, parmi lesquels celui de Varallo qui est revendiqué comme modèle par plusieurs directeurs du sanctuaire. Grâce à l’expérience de la pérégrination qui articule une progression temporelle à une ascension spatiale, les monts sacrés inscrivent dans un lieu précis une histoire universelle, qui peut alors devenir commune, car éprouvée par les pèlerins dans les cœurs et les corps.

 

Jane MacAvock (dir.), Jean Daret (1614-1668). Peintre du Roi en Provence, cat. expo. (Aix-en-Provence, musée Granet, 15 juin-29 septembre 2024), Paris, Linéart, 2024, 272 p.

ARGUMENT : Cette monographie est dédiée à un grand peintre du baroque provençal du XVIIe siècle. Redécouvert par le grand public à l’occasion de l’exposition La peinture en Provence au XVIIe siècle, organisée à Marseille en 1978, Jean Daret, qui a travaillé pour les mécènes les plus importants de son époque, dont le roi Louis XIV ou encore le gouverneur de Provence, demeure peu connu.
Il naît à Bruxelles en 1614 et s’installe à Aix-en-Provence, où il se spécialise dans la décoration de demeures et participe à l’ornementation de nombreuses églises et couvents. S’il a aussi œuvré un peu à Paris, la production méridionale de Daret est grande : il travaille y pour une clientèle privée qui lui demande des scènes mythologiques, des portraits, des scènes de genre ou de dévotion. C’est lui qui réalise, par exemple, les magnifiques peintures marouflées commandées par le seigneur de Covet pour son château de Marignane. Son chef-d’œuvre est le décor en trompe-l’œil de la cage d’escalier de l’hôtel de Châteaurenard, à Aix-en-Provence, qui lui vaut d’être remarqué par le roi Louis XIV, en 1660, et d’être nommé « Peintre du roi ».
Les recherches récentes ont mis au jour de nombreuses découvertes. Cet ouvrage, première publication consacrée à cet artiste flamand, est l’occasion de les partager et de reproduire un ensemble exceptionnel des productions les plus importantes de l’artiste : tableaux, dessins et gravures, mis en regard de tableaux de grands maîtres du siècle, tant parisiens (Simon Vouet ou Jacques Blanchard) que provençaux (Nicolas Mignard et Reynaud Levieux ou Gilles Garcin).

 

Michele Dantino, Le forme del divino. Problemi di arte sacra tra prima modernità e Novecento, il Mulino, « Saggi », 2024, 240 p.

ARGUMENT : Nel mondo occidentale le immagini dipinte o scolpite sono state per lungo tempo considerate «incarnazioni» del Divino, e hanno trovato in questa loro natura duplice, celeste e terrena insieme, la propria giustificazione. Nel divenire uomo, Cristo stesso si è fatto «figura» fondando per i Padri della Chiesa la legittimità dell’immagine. Le immagini di culto hanno dunque potuto acquistare nei millenni dimensioni affettive e liturgiche: esse sostengono, accolgono, ravvivano il vincolo che tiene insieme una comunità, così nel cristianesimo occidentale sino alla Riforma e nel cristianesimo ortodosso. Questo libro indaga e interroga i teologi della prima età moderna – Erasmo o Calvino – ma anche scrittori e filosofi – Dostoevskij e Florenskij, Heidegger, Simone Weil, Pasolini – che hanno espresso un ragionato dissenso in rapporto alle avanguardie otto-novecentesche, rivendicando invece il fondamento metafisico o religioso dell’immagine.

 

Alessandro Arcangeli, Tiziana Plebani, Sensibilità moderne. Storie di affetti, passioni e sensi (secolo XV-XVIII), Rome, Carocci, “Studi storici”, 2024 (2023).

ARGUMENT : Sensi ed emozioni contribuiscono da anni ad arricchire la ricerca storica consentendo di rivisitare, con uno sguardo rivolto anche all’antropologia, l’esperienza di vita di donne e uomini del passato; un universo percettivo e affettivo che, in una molteplicità di contesti, apre a diversi paesaggi sonori o olfattivi, così come a passioni dell’animo. I contributi del volume esplorano tale campo nell’Italia di età moderna. Vi si indagano la città in quanto luogo di performance emotive in occasioni rituali, come feste o processioni funebri, e per le sollecitazioni sensoriali che la caratterizzano; le esperienze emotive di alcune figure chiave della modernità, quali condottieri, confessori, inquisitori; più specificamente per il Settecento, il vissuto degli autori di fronte a editoria e pubblico nonché il farsi strada dell’amicizia tra sessi in spazi non più confinati. Il libro è corredato di un’introduzione di carattere storiografico e di una bibliografia ragionata per orientare il lettore nella varietà degli ambiti di studio.

 

Marika Knowles, Pierrot and his world: art, theatricality, and the marketplace in France, 1697-1945, Manchester, Manchester University Press, 2024, 288 p.

ARGUMENT : Pierrot, a theatrical stock character known by his distinctive costume of loose white tunic and trousers, is a ubiquitous figure in French art and culture. This richly illustrated book offers an account of Pierrot’s recurrence in painting, printmaking, photography and film, tracing this distinctive type from the art of Antoine Watteau to the cinema of Occupied France. As a visual type, Pierrot thrives at the intersection of theatrical and marketplace practices. From Watteau’s Pierrot (c. 1720) and Édouard Manet’s The Old Musician (1862) to Nadar and Adrien Tournachon’s Pierrot the Photographer (1855) and the landmark film Children of Paradise (1945), Pierrot has given artists a medium through which to explore the marketplace as a form for both social life and creative practice. Simultaneously a human figure and a theatrical mask, Pierrot elicits artistic reflection on the representation of personality in the marketplace.

 

Stefano Pierguidi, « Ed in vano l’ho cercato in terra ». Guido Reni teorico del bello ideale, Rome, Campisano « Studium », 2023, p. 552

ARGUMENT : Nella Roma dei primi decenni del Seicento il dibattito critico intorno alla pittura fu straordinariamente vivace, e ad animarlo, prima ancora di teorici quali Giovanni Battista Agucchi e Giulio Mancini, erano gli artisti. Fin dal suo esordio nell’Urbe, nel 1600, Guido Reni fu uno dei protagonisti di quel palcoscenico, proponendo la propria visione teorica della pittura attraverso alcuni capolavori che erano anche programmatiche dichiarazioni d’intenti. Attraverso queste il pittore bolognese costruì la propria identità di artista, ben distinta non solo da quella di Caravaggio, ma anche da quelle di Annibale Carracci e del suo maggiore allievo, Domenichino; e, poi, da quella di Guercino. Questo libro punta a ricostruire la teoria artistica di Guido seguendone l’evoluzione stilistica, a partire dall’analisi dei suoi dipinti più significativi, letti nel quadro delle controversie contemporanee, in un dialogo serrato con le fonti della letteratura artistica seicentesca, da Francesco Scannelli a Giovan Pietro Bellori. 

 

Michela Di Macco (dir.), Natura e artificio nell’Europa del Seicento e Settecento. Artisti, conoscitori e scienziati tra osservazione, invenzione e diffusione del sapere, Florence, Leo S. Olschki, « Quaderni sull’Età e la Cultura del Barocco, 2023, 254 p.

ARGUMENT : A cavallo tra Sei e Settecento il rapporto tra Natura e Artificio assume centralità nel dibattito tra scienziati, artisti, accademici, conoscitori, amateurs, collezionisti. Muovendosi tra Roma, Parigi, Torino, la Gran Bretagna e altrove, gli autori dei saggi raccolti in questo libro offrono nuove ricerche su argomenti allora centrali: la bellezza nell’Accademia arcadica romana, l’arredo pittorico del paesaggio idealizzato, il collezionismo di grafica dei soggetti di natura, l’interpretazione demitizzata del naturale, l’integrazione nella forma urbana tra natura e cultura, la ricchezza polisemica dell’ornamento, le strategie divulgative messe in atto per diffondere il sapere e per incontrare il gusto di un pubblico sempre più variegato.

 

Stéphane Van Damme, Les voyageurs du doute. L’invention d’un altermondialisme libertin (1620-1820), Paris, Fayard, 2023, 368 p.

ARGUMENT : Des conquêtes d’Alexandre le Grand, qui suscitent l’éclosion du pyrrhonisme sur les rives du Gange, à la critique des ravages de la colonisation pointés par Montaigne lors de la Renaissance, les savoirs sceptiques ont souvent émergé dans des moments d’expansion impériale. Parti sur les traces des savants voyageurs de l’époque moderne, de François Bernier au marquis de Sade, Stéphane Van Damme livre une histoire globale du scepticisme à l’heure de la construction de la France-Monde. Géographie, astronomie, médecine, cartographie, chimie, géologie, botanique ou encore archéologie : tout est bon aux libertins pour critiquer cette nouvelle globalisation française mise en œuvre par la monarchie absolutiste. Mais ils promeuvent aussi par là une autre vision du monde, opposant aux logiques de la domination et de l’appropriation les promesses de la rencontre. Porteurs d’une contestation scientifique inédite de l’universalisme occidental, ces voyageurs du doute élaborent le premier altermondialisme.

 

David Pullins, Vanessa K. Valdés, Juan de Pareja. Afro-Hispanic Painter in the Age of Velazquez, cat. expo. (New York, The Metropolitan Museum of Art, 3 avril-16 juillet 2023), New Haven-Londres, Yale University Press, 2023, 176 p.

ARGUMENT : A provocative study of a freedman painter that recognizes the labor of enslaved artists and artisans in seventeenth-century Spain. Diego Velázquez’s portrait of Juan de Pareja (ca. 1608–1670) has long been a landmark of European art, but this provocative study focuses on its subject: an enslaved man who went on to build his own successful career as an artist. This catalogue—the first scholarly monograph on Pareja— discusses the painter’s ties to the Madrid School of the 1660s and revises our understanding of artistic production during Spain’s Golden Age, with a focus on enslaved artists and artisans. The authors illuminate the highly skilled labor within Seville’s multiracial society; the role of Black saints and confraternities in the promotion of Catholicism among enslaved populations; and early twentieth-century scholar Arturo Schomburg’s project to recover Pareja’s legacy. The book also includes the first illustrated and annotated list of known works attributed to Pareja.

 

Tania De Nile, Fantasmagorie. Streghe, demoni e tentazionni nell’arte fiamminga e olandese del Seicento, Rome, Officina Libraria, 2023, 336 p.

ARGUMENT : La capacità di inventare mostri è da sempre considerata tra le più alte espressioni dell’immaginazione umana come ben si evince da questo volume, arricchito di un suggestivo apparato di illustrazioni. L’atto creativo accomuna l’artista a Dio, ma mentre Dio dà per definizione forma e senso a ciò che esiste, l’artista può esprimersi – con ancor più libertà – dando vita a ciò che non esiste e inganna, come solo il Diavolo sa fare. Aprire questo libro significa immergersi in uno stupefacente viaggio di scoperta le cui tappe sono centinaia di opere visionarie, centinaia di espressioni dell’immaginazione umana che raccontano genesi, evoluzione e ragioni di un universo magico che da oltre cinque secoli non smette di sedurci. È l’universo che d’istinto associamo al solo Jheronimus Bosch, ignorandone la ben più complessa geografia punteggiata di nomi meno noti, talvolta in grado di rivaleggiare in meraviglia con l’ingombrante precursore. Ma non si tratta di stravaganze episodiche, isolate le une dalle altre: sono invece bizzarrie inserite in una costellazione, qui protagoniste di una inedita veduta d’insieme che ne ricompone l’originaria unità e le raccoglie sotto il nome di Fantasmagorie. Agli occhi di un lettore moderno questo titolo parrebbe avere il solo merito di evocare un immaginario di libere forme fantastiche, ma è in realtà suggerito proprio dalle fonti del Seicento, nelle quali erano definite spoockerijen (da spoock, “fantasma”) le declinazioni irreali e illusorie del demoniaco, ovvero Stregonerie, Inferni e Tentazioni di sant’Antonio, che costituivano una precisa categoria tematica della coeva cultura figurativa dei Paesi Bassi del nord. A partire dai modelli messi in circolazione nelle Fiandre da Bosch e da Pieter Bruegel tra Quattro e Cinquecento, il volume esplora la produzione fantasmagorica dei pittori fiamminghi e olandesi delle generazioni successive, concentrandosi in particolare su Jan Brueghel il Vecchio, Jacques de Gheyn II, Jacob van Swanenburg, Cornelis Saftleven, David Teniers II e Domenicus van Wijnen. Il quadro che emerge dal confronto tra dipinti, disegni e stampe sorprende per varietà e sfumature, e nel contempo illustra la fitta trama di relazioni che collega letteratura onirica, trattati demonologici, scritti sulle streghe e teorie su immaginazione e fantasia. Perché inventare mostri è un gioco, ma è un gioco molto serio.