El medio cambia, el lenguaje no: mi arte multidisciplinar

Hola. Bienvenidos a Layers and Lines. Soy Marianne.

Hoy quiero hablarte de ¿Por qué un artista tendría que quedarse encerrado en un solo medio?

La respuesta corta es que no tendría que hacerlo. Y los artistas que más admiro nunca lo hicieron.

Picasso pintó, pero también esculpió, hizo cerámica, hizo collage, inventó el papel pegado. Cambió de medio constantemente, pero nunca cambió de lenguaje. Uno reconoce a Picasso en un plato de cerámica igual que en un lienzo, porque lo que se sostiene no es el material, es la forma de pensar detrás del material.

Hoy, en el arte contemporáneo, pasa exactamente lo mismo. Damien Hirst es un buen ejemplo. Pinta, esculpe, trabaja con animales conservados en formol, hace instalaciones con gabinetes farmacéuticos, produce las famosas pinturas de puntos. Son medios completamente distintos. Pero hay una obsesión que los atraviesa a todos: la vida, la muerte, y el sistema que decide qué vale y qué no vale en el arte.

Eso es lo que me interesa de verdad. No la variedad por la variedad. La coherencia de un lenguaje que se mueve libremente entre materiales.

Yo he vivido esto en carne propia. Empecé con fotografía. De ahí pasé a lo digital, entendiendo la pantalla como un lienzo con reglas propias, no como un atajo. Después llegó la impresión, que para mí no es una copia de algo que pasó antes en otro soporte, es el medio final, el lugar donde la obra nace. Escribí sobre esto hace unos meses, sobre por qué pensar en capas y terminar imprimiendo en geometría fue, para mí, un paso completamente natural.

Y más recientemente he vuelto a expandirme. Estoy trabajando en serigrafía. Volví al dibujo a lápiz, algo que conté en la serie Ejercicios, donde quise recuperar el peso de la mano sobre el papel, sin pantalla, sin atajos digitales. Y en paralelo sigo pintando en acrílico, y he empezado a explorar el textil, un medio que me obliga a pensar la geometría de otra manera, porque la tela se comporta distinto al papel y distinto a la pantalla.

En el tema de la impresión, hay un artista que me interesa muchísimo, y es Robert Rauschenberg. Rauschenberg trabajó con un rango enorme de materiales, técnicas y disciplinas, y por eso se le considera precursor de casi todos los movimientos artísticos que vinieron después del expresionismo abstracto. Usó la serigrafía para superponer imágenes, fotografía, gesto pictórico y capas conceptuales en una misma superficie. Borró la frontera entre pintura, escultura y objeto encontrado con sus famosos combines. Y creía en algo que a mí me resuena profundamente: que el artista trabaja en el espacio entre el arte y la vida. Si quieres conocer más de su trabajo y de su archivo, la Robert Rauschenberg Foundation tiene todo documentado en rauschenbergfoundation.org.

Ahora, alguien podría decirme que trabajar en tantos medios distintos es señal de que no tengo un estilo definido. Que un artista serio se especializa. Y entiendo por qué alguien pensaría eso.

Pero la especialización en un solo medio es una idea que viene del siglo diecinueve, de cuando se esperaba que un pintor fuera solo pintor y un escultor fuera solo escultor. El arte contemporáneo ya no funciona así. Lo que define a un artista hoy no es el material que usa. Es la pregunta que persigue a través de todos los materiales que usa.

En mi caso esa pregunta es siempre la misma. Cómo la geometría organiza el pensamiento, y cómo el color le da temperatura a esa organización. Esa pregunta aparece igual en una fotografía, en una impresión digital, en un trazo de lápiz sobre papel Fabriano, en una pincelada de acrílico, o en un hilo sobre tela.

El medio cambia. El lenguaje no.

Si esto te resonó, hay más esperándote en Substack, en Layers and Lines. Ahí están los artículos completos sobre impresión, sobre la serie Ejercicios, y todo lo que no cabe en una sola conversación.

Nos escuchamos pronto.

Con cariño, Marianne.